Rencontre avec Nora Houguenade, Chorégraphe de l’instant

   C’est sans doute ma passion pour la danse -commencée comme Nora Houguenade à l’âge de quatre ans- qui m’a attiré vers son univers photographique. Chacun des clichés pris par cette jeune photographe est une histoire à lui seul, une composition où le sujet autant que l’environnement raconte quelque chose. Ainsi, dans la série «Danse Urbaine» des danseurs semblent dialoguer avec l’architecture, la lumière ou l’espace qui les entoure pour donner lieu à de superbes images chorégraphiées.
De ses photographies émane le souci du détail, un certain rapport au temps, de la musicalité, des émotions aussi et surtout, à travers la capture de moments de grâce. Autant d’aspects qui m’ont donné envie de la rencontrer. Retour sur notre échange au Rendez-vous au cœur du 15e arr le treize avril dernier.

1. Peux-tu te présenter ? 

Je m’appelle Nora Houguenade, j’ai trente ans. Je suis née à Paris d’un père français et d’une mère hispano-marocaine tous deux architectes et musiciens. J’ai toujours baigné dans l’art et la musique et été entourée de personnes très ouvertes d’esprit et polyvalentes. J’ai moi-même fait quatorze ans de danse et de piano.

Mon parcours a commencé de manière classique. Je suivais une filière scientifique avec l’idée de devenir pédiatre mais une première année de médecine plutôt chaotique a remit les choses en question. Le rythme imposé m’empêchait de me consacrer à la danse et le piano, or je me suis rendue compte que je ne pouvais pas me passer de ces passions. De nature timide, c’est en effet à travers ces arts que je m’exprime et le fait de m’en couper a été très difficile.

Au moment de me réorienter j’hésitais entre faire une école de danse et une école de photographie et au final, sous les encouragements de mes proches, j’ai choisi la seconde option. Je me suis aussi dit qu’en choisissant cette voie je pourrai continuer d’approcher le milieu de la danse, ce que je fais précisément aujourd’hui. J’ai donc intégré l’école EFET dans le 12e arr et me suis formée pendant trois ans. Cela a été une véritable renaissance. Depuis, je suis photographe à mon compte entre Paris et Tanger.

portrait
© Nora Houguenade

2. Quand et pourquoi as-tu commencé la photographie ?

J’ai commencé la photographie à l’âge de treize ans lorsque je me suis offert mon premier appareil numérique compact acheté avec l’héritage de ma grand-mère. À l’époque, je photographiais pour le souvenir, il n’y avait pas encore de recherches de compositions. Je voulais immortaliser certains moments passés avec mes proches et j’avais cet appareil pratiquement tout le temps avec moi.

Le réel déclic a eu lieu un peu plus tard dans la salle d’attente d’un dentiste lorsque j’ai vu pour la première fois « Le Baiser » de Robert Doisneau. À ce moment là, j’ai su que je voulais faire de la photographie le centre de ma vie.

le baiser
© Robert Doisneau

Mes débuts en tant que photographe se sont déroulés au Maroc lorsque ma maman est retournée vivre à Tanger en 2006. J’avais alors dix-sept ans et me baladais appareil à la main. Je ne cessais de prendre des photos, j’étais comme en transe, éblouie par la lumière qui y régnait.

 

3. Qu’est-ce que tu aimes (et qu’est-ce que tu aimes moins) dans le métier de photographe ?

Pour moi il y a deux parties dans le métier de photographe : les projets artistiques réalisés de manière personnelle et les commandes professionnelles où l’on est plus technicien de l’image. Ce sont deux choses très différentes mais toutes deux indispensables car la première nourrit la créativité et permet d’avancer tandis que la seconde permet de vivre de ce métier. Toute la difficulté est d’arriver à combiner les deux.

Ce que j’aime le plus dans ce métier est d’immortaliser l’instant à travers de beaux visuels qui vont permettre aux gens de se souvenir d’une part, et de capter des émotions d’autre part. La photographie que j’aime et que je pratique transmet «l’instant de vie». J’observe avant tout, j’aime me fondre dans la masse, devenir invisible aux yeux des autres, c’est par ce biais que l’on décroche les meilleurs clichés. J’aime aussi le fait de ne jamais faire la même chose.

Ce que j’aime moins est lorsque les commandes professionnelles deviennent répétitives ou lorsqu’elles m’éloignent trop de ce que j’aurais envie de développer. Un cahier des charges trop lourd peut freiner ma créativité. J’ai besoin sans cesse de nouveautés et aussi de faire des projets qui ont du sens pour moi. Sinon, je dirais qu’un aspect difficile de ce métier est qu’il soit très physique : je porte constamment beaucoup de matériel et mon dos le ressent.

4.Quel(s) appareil(s) utilises-tu ? Quelle technique affectionnes-tu ?

J’utilise deux appareils numériques : le Nikon D750 et le D3S que je prends toujours avec moi au cas où l’un des deux me lâcherait sur un shooting. J’utilise également quatre objectifs que j’interchange selon le sujet. Je fais principalement de la photographie de reportage en extérieur car je ne suis pas très à l’aise avec le studio. En effet je trouve cela trop cloisonné et la lumière n’y est pas la même.

5. La danse tient une place centrale dans ton art illustrant de nombreux albums sur ton site. Penses-tu que sans ce long parcours personnel dans la danse ton œil aurait perçu les choses différemment ? Le fait d’être toi-même danseuse t’as t’il aidé à capturer ces moments de grâce et, si oui comment ?

Oui totalement. Déjà je pense qu’on photographie mieux ce que l’on connaît.
À propos de la danse, j’ai une sensibilité et une visualisation précise de cet art pour l’avoir longuement pratiqué, tout comme le piano. Ma connaissance du geste et mon oreille musicale me permettent d’anticiper les choses. Par exemple si je dois photographier un danseur en mouvement je vais pressentir le moment le plus opportun pour déclencher l’objectif.

Je vais traquer le moment qui fera ressurgir le plus d’émotions tel que je le ressens. « Quel mouvement retenir ? Qu’est ce qui va me toucher le plus en tant que spectatrice dans ce que le danseur va communiquer ? » sont les questions que je me pose à ce moment là.
J’anticipe l’intuition du danseur en quelque sorte mais je ne contrôle rien pour autant. C’est une vraie rencontre entre lui qui, exprime quelque chose avec son corps, et moi, qui vais ressentir et capter autre chose à travers mon appareil.

 

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6. Ton dernier album «Danse urbaine» est très fort visuellement. Les danseurs réalisent des figures et semblent pour la plupart en lévitation, ce qui donne un rendu presque surréaliste aux images. Prendre en photo de telles prouesses n’était-ce pas trop difficile ? J’imagine que vous avez du faire plusieurs prises et pourtant tout à l’air si spontané…

On était en effet beaucoup dans les sauts mais cela ne m’a pas posé problème techniquement parlant dans le sens où j’arrive à anticiper certains gestes notamment lorsqu’ils mes sont familiers comme c’est le cas avec la danse.

Pour cette série, je ne décidais de rien au préalable, ni des lieux ni des mouvements. Etant donné que je ne connaissais pas les danseurs je commençais par marcher avec eux dans Paris pour nous permettre de faire connaissance et instaurer un climat de confiance mutuelle. Puis, lorsque je repérais un endroit qui m’inspirais je m’arrêtais et leur demandais de danser librement, d’improviser.

Je marchais vraiment à l’instinct car la lumière change constamment à Paris or une ombre/un rayon de soleil sur le moment était susceptible de m’inspirer. Je n’avais pas envie de prévoir, je me laissais porter par ce qui m’entoure et par ce que je ressentais sur le moment. Je leur donnais juste quelques directions d’intentions, par exemple si l’on se trouvait face à un mur avec des lignes verticales je suggérais d’être dans la longueur pour faire écho à l’architecture etc.

 

7. La danse semble réunir tout ce que tu recherches (le mouvement, la musique, l’émotion, l’espace). Souhaites-tu que cela reste ton fil directeur, tel une marque de fabrique ?

Oui c’est vrai et la danse reste quelque chose qui me tient réellement à cœur. Je pense continuer à photographier cet art mais sous un angle différent où je m’attarderai plus sur la personne que sur le danseur. J’ai envie d’aller chercher l’humain derrière la danse en m’attardant sur un regard, une posture, un détail… Pourquoi pas aussi me pencher sur l’impact de la danse dans la vie des gens ? En fin de compte être plus dans le reportage et moins dans l’esthétisme. Aller au delà d’un type de photos très chiadées, très belles, mais qui ne vont pas vraiment en profondeur.

8. Hormis la danse quels sont tes sujets photos de prédilection pour le moment ? Et quels sont ceux que tu aimerais aborder dans le futur ?

Actuellement mes sujets de prédilection hormis la danse sont le reportage social, les portraits et les mariages. Ces derniers sont des témoignages d’émotions très riches. En effet, des préparatifs jusqu’à la cérémonie de mariage ce sont des moments forts où je capte beaucoup de choses aussi bien chez les mariés que parmi les invités, la famille, les amis… J’aime beaucoup l’envers du décor lors des préparatifs car à ce moment là on crée un vrai lien avec les personnes. Pour le coup, le domaine du mariage associe plutôt bien le côté artistique qui me plaît et le côté professionnel qui permet d’en vivre car cela fonctionne très bien : j’ai environ une dizaine de mariages par an.

 

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Concernant le portrait, j’ai envie d’utiliser la photo pour redonner confiance aux gens. J’ai d’ailleurs déjà commencé à le faire au sein du collectif Self Collective qui prône la confiance en soi des femmes à travers des stages. J’ai ainsi lancé avec ce collectif le projet Photoboost il y a six mois qui permet à certaines femmes de se reconnecter à leur image. Le but est de faire en sorte qu’elles se trouvent belles et qu’elles (re)prennent confiance en elles.

Comme pour ma série «Danse urbaine», cela commence par une balade dans Paris ou autour d’un café pour échanger avec la femme que j’ai en face de moi et instaurer un climat de confiance qui va être essentiel pour le shooting afin qu’elle se sente à l’aise. Ce sont des sessions assez intenses ou j’ai vu certaines femmes émue aux larmes au moment de se (re)découvrir en photo. Le projet n’est pas encore bien défini mais il prendra sans doute la forme de séance individuelles de particuliers soit dans le cadre de ce collectif soit en dehors avec moi.

 

Un autre domaine que j’aimerais développer dans le futur est la photographie sociale à travers le reportage. Je l’ai déjà abordé en 2016 à Tanger à l’occasion d’un projet photo pour le centenaire du lycée Regnault. J’avais carte blanche pendant une semaine dans ce collège/lycée qui -pour l’anecdote- fut le lieu où ma mère a fait sa scolarité il y a quarante ans !
J’ai adoré faire ce reportage car j’étais au plus proche des enfants/adolescents. Au début, ils me scrutaient et à la fin de la semaine ils avaient oublié ma présence ; c’est là où l’on capte les meilleurs choses. J’aimerais refaire des sujets comme celui ci. Des moments de vie.

 

J’ai également réalisé un reportage à la Philarmonie avec des enfants. Chacun de ces projets était extrêmement nourrissant ; les enfants sont si expressifs !

9. On voit dans tes photos un rapport particulier à l’espace et l’architecture. Penses-tu qu’il s’agit de quelque chose qui t’ait été transmis par tes parents tous deux architectes ?

Oui indéniablement, je les ai vu beaucoup dessiner à la maison donc cela m’a influencé. J’ai commencé par un parcours scientifique, j’adore les mathématiques et j’ai l’esprit très carré ce qui peut apparaître comme paradoxal vu la sensibilité extrême que je peux avoir par ailleurs.

(Je place ici une série de photos repérées parmi les albums de Nora où je trouve son regard face à l’espace et à l’architecture très intéressant)

 

Cette série de photos a été réalisée en 2011 dans le cadre de mon diplôme de fin d’étude, il a été présenté à un jury. Je pense que se sont les images qui me tiennent le plus à coeur. J’en ai fait une exposition en 2017 à We Art From Paris dont voici le descriptif :

Texte

10. As-tu des sources d’inspiration majeures qui nourrissent ton travail (art, photo, design etc.) ? Et as-tu des artistes de références ?

Pour moi la vie est source d’inspiration. Tout est susceptible de m’inspirer : un passant, un livre, une plante… Après, si je devais citer une source d’inspiration majeure alors je dirais la photographie issue du courant humaniste. J’adore les compositions en noir & blanc d’artistes tel que Henri Cartier Bresson, Robert Doisneau, Robert Cappa, Elliot Erwitt. Je suis également sensible aux photos légèrement floutées de Sarah Moon. Et je suis évidemment fan des oeuvres de Gérard Uféras et d’Edgar Degas sur les danseuses observées depuis les coulisses des opéras.

 

11. En parcourant ton site, j’ai été émue par une jolie petite vidéo intitulée « Passages » que tu as réalisée en 2011 avec ton frère montrant les ruelles de Tanger. On y sent des années de vécu, de souvenirs, la volonté de dévoiler un côté vibrant de cette ville et, en même temps, tout cela est filmé dans la retenue, tout en douceur. As-tu déjà pensé à passer derrière la caméra pour réaliser des courts métrages ?

J’ai réalisé cette vidéo dans le cadre de mon projet de diplôme en 2011 et j’ai tout de suite pensé à ce sujet là et à le faire avec mon frère à la fois parce qu’on a grandi dans ces lieux et parce qu’il est réalisateur. On a vraiment pensé ce projet à deux et il a composé la bande musicale à la guitare à ma demande (il est musicien également).

 

La vidéo va crescendo : au début on voit peu de monde et les images sont fixes puis, au fur et à mesure, il y a de plus en plus de monde et le rythme de la musique s’accélère. Au final c’est l’agitation dans le zouk. La porte donnant sur la mer est le lien tout au long de la vidéo, comme un point de rencontre, elle accueille de plus en plus de personnes.
Le but était d’évoquer l’émulsion de la ville.
Pour autant je ne pense pas m’orienter un jour vers la réalisation de courts métrages car mon frère étant déjà dans cette voie je l’identifie comme étant son espace à lui.

12. Parmi toutes tes photographies laquelle préfères-tu et pourquoi ?

Je dirai une des première photo que j’ai faite au Maroc lorsque j’avais dix-sept ans. Il s’agit de deux enfants de dos qui marchent bras dessus, bras dessous dans une ruelle.
J’aime beaucoup cette photo car elle m’émeut énormément alors qu’elle a été prise de manière totalement spontanée et irréfléchie puisqu’à l’époque je n’étais pas encore formée. Mon œil n’avait pas encore été «formaté».

Photo préféré - Tanger 2006_03
© Nora Houguenade

13. Comment définirais-tu ton style (de photos) ?

Je dirai humaniste car l’humain est ce qui m’intéresse le plus.

14. Y a t-il un message que tu souhaites faire passer à travers ton art ?­­

Pas spécialement. Prendre une photo pour moi c’est capter le moment qui combine émotion, graphisme et regard ; le moment où je ressens l’effervescence d’un instant qui m’échappe et que je peux non seulement immortaliser mais aussi partager à travers ma sensibilité. À partir du moment où je touche les gens d’une manière ou d’une autre et/où je transmets des émottions, j’ai réussi ma mission.

15. Quels sont tes projets à venir ? As-tu des envies ou ambitions particulières ?

J’aimerais continuer de développer le projet Photoboost pour redonner confiance aux femmes. Sinon après avoir réalisé beaucoup de projets pour les autres dernièrement j’aimerais faire une pause et explorer. J’ai besoin de revenir à des choses qui me touchent et d’aller creuser de nouveaux univers en toute liberté sans aucune contraintes. J’ai soif de nouvelles choses. C’est dans ce but que je retourne au Maroc ce mois de mai pour participer au festival photos de Tanger. J’y vais avec beaucoup de curiosité pour découvrir des photographes maghrébins.

J’ai aussi envie de faire un projet pour moi qui soit lié à une cause humanitaire. J’espère d’ici la fin de l’année pouvoir faire un voyage dans ce cadre là. Je suis en train de réfléchir à l’association à contacter.  J’aimerais me rapprocher d’une cause qui me parle, probablement l’enfance ou l’éducation. «De quoi ai-je envie de témoigner aujourd’hui sans sujet imposé ?» est la question que je me pose en tant que photographe et qui me permet d’avancer dans mon travail.

Portrait chinois

Et si tu étais un(e)…
Couleur : 
violet
Matière : 
la soie
Métal : l’argent
Pierre : de lune
Odeur : la mer
Bruit : de la pluie
Plat : île flottante
Goût : salé
Fruit : la mûre
Saison : l’automne
Fleur : une rose blanche
Animal : la coccinelle
Paysage : les montagnes de Chefchaouen
Pays : le Maroc
Ville : Séville
Sport : la danse
Livre : L’alchimiste
Poème : « Demain, dès l’aube » Victor Hugo
Tableau : les nénuphars de Monet
Style de Musique : Soul
Film : « Orgueil et Préjugés » de Joe Wright
Personnage : Mary-Poppins
Photographie : « Le Baiser » de Robert Doisneau
Courant artistique : Humaniste
Révolution (culturelle/sociale/historique) : une révolution pour la paix (le mouvement de Gandhi par exemple)
Époque : Le XIXème siècle
Allure : l’élégance d’Audrey Hepburn
Pouvoir : 
se téléporter
Qualité : la douceur
Défaut : la naïveté
Expression : 
 « Sourie à la vie et la vie te sourira. »
Mot : 
Lumière
Citation : « Ce n’est pas parce que les choses sont difficiles que l’on n’ose pas, c’est parce que l’on ose pas qu’elles sont difficiles. » Sénèque


« Lumière » est le mot choisi par Nora, et cela lui sied bien. Déjà parce que c’est le sens de son prénom (Nour en arabe), mais aussi parce qu’il se dégage de cette jeune femme, à l’élocution douce et posée, quelque chose de résolument lumineux et positif. Danseuse, musicienne, photographe, humaniste… avec Nora tous les sens sont mis en éveil et les émotions au rendez-vous.

À l’issue de cet échange, je comprends que la spontanéité qui m’a saisit dans ses photos provient de cet instinct avec lequel elle travaille. Savoir parfois mettre de côté la technique pour être dans l’instant, se laisser porter pas son intuition, ne pas s’enfermer dans un style, rester perméable à ce qui nous entoure… Tout cela est rendu possible grâce à l’extrême sensibilité de la personne avec qui je viens d’échanger pendant près de 2h qui ont filé, entre éclats de rires et évocation de souvenirs.
Je souhaite à Nora plein de belles rencontres humaines, de projets et de voyages à venir pour explorer de nouveaux horizons comme elle l’espère, pour être émue et continuer à émouvoir.

Rencontre avec Stéphanie Guglielmetti, sculptrice dans l’Espace-Temps

   L’une de mes passions est de rentrer dans un atelier d’artiste pour me retrouver au cœur de la création et, bien sûr, c’est encore mieux en présence du maître des lieux pour avoir une grille de lecture de son travail. Il n’est pas courant de pouvoir faire de telles rencontres -ces lieux n’étant la plupart du temps pas ouverts au public ou simplement pas référencés- c’est pourquoi j’ai pleinement profité des journées portes ouvertes des ateliers d’artistes situés aux Arches à Issy-les-Moulineaux l’automne dernier. J’en ai retenu de très jolies découvertes, parfois surprenantes, et des échanges passionnants entre gens passionnés.

Une rencontre en particulier m’a marqué, celle avec l’artiste Stéphanie Guglielmetti.  En effet, à peine entrée dans son atelier j’ai été de suite envoutée par ses créations singulières et poétiques (presque musicales) ne ressemblant à rien de ce que j’avais pu voir auparavant. L’œil perçoit d’abord des mobiles en suspension, bougeant au gré du vent, réfléchissant imprévisiblement des éclats de lumière, puis l’on s’approche et l’on découvre ce qui s’avère être de minuscules…. composants horlogers ! Partout : des aiguilles, des cadrans, des rouages, tiennent comme par magie sur des fils tendus. Ça tourne, ça brille, ça carillonne… Il s’en dégage un sentiment tantôt stimulant -le visuel du mobile se réinventant constamment- tantôt apaisant –l’oscillation des composants agissant dans un léger mouvement qui berce.

Devant autant d’informations sous-jacentes (le matériau détourné, le rapport au temps, les jeux d’ombres et de lumières, l’espace…), mille questions me viennent à l’esprit. C’est donc avec l’envie d’en savoir plus à propos de son univers, de l’analyser pour essayer d’en capter l’essence, que je propose à Stéphanie Guglielmetti de venir l’interviewer dans son atelier. Rencontre donc, avec une sculptrice dans l’Espace-Temps.

1) Peux-tu te présenter et nous raconter ton parcours ?

Je m’appelle Stéphanie Guglielmetti, j’ai 47 ans. Après des études de design et de graphisme j’ai travaillé dans le milieu horloger en tant que designer. C’est à ce moment là que je suis tombée amoureuse de tous ces petits composants et de la symbolique qu’ils représentent. Assez rapidement j’ai eu le besoin de démarrer une « écriture » autour de ces composants horlogers en réponse à la rigueur de ce milieu et de celle du temps universel. Petit à petit, cette activité en marge a pris de plus en plus d’ampleur jusqu’à devenir centrale. 

Je continue toutefois d’exercer dans le graphisme que je considère proche de la sculpture de par la notion d’espace, de la page et des blancs. En réalité mes écritures horlogères et mon activité de graphiste se font écho ; la seule différence est que les premières correspondent à un message personnel tandis que la seconde répond à un cahier des charges bien précis venant de l’extérieur.

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2) Depuis quand réalises-tu des mobiles constitués de composants horlogers ? D’où t’es venu cet intérêt pour collectionner ces pièces détachées jusqu’à en faire des oeuvres d’art ?

Je réalise des mobiles depuis environ quinze ans.
Au début, je photographiais les composants et je les retouchais pour leur donner une dimension abstraite puis j’ai laissé tomber l’écran photographique pour aller directement à la matière. Les mobiles éphémères que je composais le temps d’une photo avant de les détruire ont pris le dessus et sont devenus des œuvres amenées à perdurer et à vivre dans l’espace.

Je suis fascinée et à la fois terrifiée par ces petits mécanismes, par la minutie et la perfection qu’ils impliquent. En effet, dans le système de l’horlogerie, un composant doit être parfait sans quoi rien ne fonctionne. Il y a quelque chose de terrifiant là dedans : soit on est parfait, soit on n’existe pas. Il n’y a pas de droit à la différence. C’est en réponse à ce système contraint, binaire, fermé que j’ai décidé de me réapproprier ces pièces. J’ai donc commencé à récupérer des composants dits « imparfaits » (en allant loin on pourrait y voir les rebuts de la société) afin de leur donner une deuxième vie, de leur redonner leurs lettres de noblesse et au final de les mettre à la même échelle que les autres composants « parfaits ».

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Atelier © Stéphanie Guglielmetti


3. Toutes tes œuvres se regroupent sous le terme : d’ « Extractions » qui apparaît comme le fil directeur de ton œuvre. Quelle(s) symbolique(s) accordes-tu à ces « Extractions » ?

Par « Extraction », j’entends le fait de sortir quelque chose d’un système contraint pour lui donner une nouvelle liberté dépendant d’autres facteurs aléatoires, imprévisibles. Ainsi, les mobiles bougent de manière subtiles au gré du vent, de l’air, d’interactions humaines ce qui s’oppose au rythme saccadé, contrôlé, prévisible du système horloger.
Il y aussi l’idée de passer de la 2D (photographie) à la 3D (sculpture). Pour moi, l’extraction est le point commun entre mes travaux en sculpture et en photographie notamment avec mon dernier projet. J’essaie de revisiter le médium photographique et de le croiser avec la sculpture.

4) Se référer au temps, c’est forcément mettre sur la table une dimension très symbolique pleine de messages sous-jacents.
Je lis dans certains commentaires à propos de ton travail que « tu suspendrais le temps », mais à voir tes mobiles en mouvement, fragiles, presque vivants,  je me demande s’il ne s’agirait pas plutôt de le « libérer » ?
Ton travail serait-il une invitation à adopter un autre rapport au temps, à s’en détacher ?

Oui d’ailleurs l’idée de libérer le temps est à l’origine du terme « Extractions » regroupant toutes mes œuvres. Il s’agit avant tout de se pencher sur la singularité de chaque instant.
Je cherche à donner aux composants un espace de liberté propre et complètement imprévisible. C’est précisément pour cela que je travaille sur des mobiles ouverts. Je n’extraie pas des composants d’un système fermé pour les remettre dans un autre système de contraintes, cela n’aurait pas de sens par rapport à ma démarche.

Après, le temps, quoiqu’il arrive reste le temps et pas plus qu’une autre personne je n’ai de maîtrise sur lui. La question que je pose est plutôt : comment est-ce que chacun investit ce cycle et jusqu’où peut on aller dans l’appropriation de l’espace temps ?

5) Lorsque je regarde tes mobiles je vois plein de petits mécanismes tournoyant de manière aléatoire chacun à leur rythme selon les vibrations de l’air, créant des jeux d’ombres et de lumières qui se renouvellent sans cesse. Est-ce pour cela que l’une de tes œuvre se prénomme « Le chaos dans la rigueur » ?
Par leur côté changeant tes créations semblent difficilement saisissables. Est-ce une manière poétique de faire un pied de nez aux étiquettes, aux cadres pré-définis imposés par la société pour prôner la liberté individuelle
?

Toutes les compositions de mes sculptures sont montées sur une trame tout à fait rigoureuse comprenant 7, 9, 12 ou 24 fils. Cette trame illustre une contrainte universelle sur laquelle nous n’avons pas la main mise et que nous subissons : un jour c’est 24h, pas plus pas moins. Je marque ici les limites de nos libertés.
Par contre, à l’intérieur de cette trame chacun s’approprie et vit ce laps de temps à sa façon, librement, d’où le titre,  « Le chaos dans la rigueur ».

Il y a donc une trame de fond mais les mobiles restent ouverts et perméables à ce qui les entoure. Ainsi, ils sont en renouvellement permanent  visuellement. Ils ne sont pas figés et laissent place à l’imaginaire ; chacun peut y voir quelque chose de différent.

6) Je remarque que la forme circulaire est récurrente dans ton travail. Tes suspensions prennent ainsi la forme d’une sphère lumineuse et scintillante jour comme nuit à l’image du soleil ou de la lune. Au delà de l’évocation de la forme de l’horloge, est-ce aussi un clin d’œil au temps à travers les cycles de la vie et au renouvellement ?

Tout à fait, c’est une référence au cycle du temps mais je n’ai pas toujours fais des mobiles circulaires. Au début je faisais majoritairement des « écritures » faites de composants horlogers puis le cercle s’est imposé comme une évidence par la symbolique de l’universel du renouvellement, de l’infini… Il m’arrive encore aujourd’hui de revenir à des « écritures » notamment dans le cadre de commandes qui me sont faites par des particuliers. Dans ce cas précis, la plupart du temps je m’adapte à la personne, je lui pose certaines questions afin de lui créer une œuvre personnalisée.

7) Comment et se déroule ton processus créatif ? Combien de temps te prend l’élaboration de tes créations ?

Concernant la confection de mobiles, la 1ère étape est de fouiner, troquer, échanger les pièces grâce à tout un réseau que j’ai tissé. C’est une étape très sympathique durant laquelle j’échange avec des personnes avec qui j’ai un lien particulier. Il y a ensuite un gros travail de tri derrière à la réception de ces pièces.

La 2ème étape est la création des palettes : je remplis chaque bocal d’un type de composant trié selon sa forme, son métal etc. Ce qui me donne une collection de bocaux dans mon atelier à la manière d’un cabinet de curiosités. 

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Détail de l’atelier © Stéphanie Guglielmetti


Puis vient la composition : je crée des petits tas de composants et je vois la manière dont ils s’imbriquent, leur harmonie, ce qu’il s’en dégage. De là, démarre la construction du mobile qui peut être plus ou moins grand selon ce que j’ai envie de raconter.
Je n’ai pas d’idée de mobile en tête à l’origine, je construis au fur et à mesure selon ce qui se trouve entre mes mains. Pour autant c’est un travail très rigoureux puisque les mobiles sont construits selon des gabarits que j’ai préalablement dessinés, sans quoi ils ne tiendraient pas physiquement. Je travaille à plat et l’œuvre prend sa forme finale une fois montée à la verticale, lorsqu’elle se déploie dans l’espace.

Au niveau de la durée d’élaboration, c’est extrêmement variable. Cela dépend du projet et de l’œuvre en question. Cela peut aller d’une journée -lorsque je sais déjà ce que je vais faire et que je dispose de tout le matériel nécessaire pour le faire- à un an pour de plus gros projets qui se construisent au fur et à mesure et avancent au gré de rencontres.

Portrait Cité du Temps © Stéphanie Guglielmetti

8) Quelle est la phase de ton travail que tu aimes le plus ?

J’aime toutes les phases de mon travail mais s’il fallait n’en retenir qu’une alors je dirai celle de la transmission d’un mobile. J’aime bien imaginer comment mon œuvre va vivre chez la personne, comment le mobile va prendre le rythme de l’environnement dans lequel il est placé. La même œuvre confiée à tel ou tel individu aura une « vie » différente.

Pour moi, il y a aussi quelque chose de magique dans le fait de transmettre mes mobiles : c’est comme si je transmettais l’acte de créer lui-même puisqu’il y a une réelle interaction entre les mobiles et les personnes. L’idée de faire de l’autre un artiste à travers ma création, de le rendre acteur dans le processus, me plaît beaucoup.

9) Quelles sont les inspirations qui te nourrissent ? As-tu des artistes de référence ?

Dans mes inspirations majeures figurent le spatialisme avec Lucio Fontana pour la façon de travailler l’espace et le fait que l’œuvre ne soit pas seulement déterminée par la matière mais aussi par son environnement.

Je suis également très influencée par le concept du Ma japonais. Pour les japonais, l’espace est un composant à part entière, il est même nécessaire pour faire exister les choses. L’intervalle entre deux objets est nécessaire afin que chacun des deux objets existent l’un par l’autre. L’espace est un élément à part entière de chaque objet.

10) Comment définirais-tu ton œuvre en un mot ? Dans quel courant artistique la situerais-tu ?

Pour définir mon œuvre en un mot je dirai « ouverte ». Ouverte physiquement (au regard, à la lumière etc) mais aussi ouverte car possédant plusieurs niveaux de lecture.
On a déjà situé mon œuvre dans l’art cinétique mais je ne suis pas tout à fait d’accord avec cela car je ne suis pas dans la régularité de la forme. Je me verrai bien dans le spatialisme, un mouvement qui m’inspire énormément.

 11) Parmi tes oeuvres, laquelle préfères-tu et pourquoi ?

Je dirais le mobile n°4 de la série universelle qui s’éclaire de nuit. Les aiguilles qui le composent sont luminescentes : elles emmagasinent la lumière dans la journée et la reflètent une fois la nuit tombée. L’œuvre prend alors un autre aspect et donne à voir une tout autre sphère.

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N°4 Série universelle © Stéphanie Guglielmetti

12) Tes installations dialoguent avec l’espace et la lumière par des jeux d’ombres projetées. Y a t’il des espaces plus ou moins propices pour exposer et « faire vivre » tes œuvres ?

Les espaces propices selon moi sont les espaces où il y a du passage, du mouvement, des échanges afin de faire « vivre » les mobiles. Un fond blanc permet de bien faire ressortir les composants et leurs ombres, j’ai déjà également exposé sur des murs de pierre et le rendu était très intéressant.
En fait, n’importe quel espace peut convenir du moment qu’il y ait de la vie !

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© Stéphanie Guglielmetti
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Orange © Stéphanie Guglielmetti

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Installation privée © Stéphanie Guglielmetti
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Vinci © Stéphanie Guglielmetti
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Vinci 2016 © Stéphanie Guglielmetti

13) Ton dernier projet, «Les affranchis» qui utilise le médium photographique évoque lui aussi le rapport au temps. Peux-tu nous en dire plus à propos de ce projet ? En quoi est-il lui aussi une extraction ? S’articule t’il comme la suite des tes mobiles ?

Il ne s’agit pas de la suite de mes mobiles mais plutôt d’un projet en parallèle.
La photographie est un médium qui me passionne depuis toujours mais je me sens vite frustrée car l’on reste dans la 2D, dans le figé. La photographie impose un visuel, point barre. Mon idée est de réaliser des portraits par le biais de la photographie mais en leur donnant un espace de respiration. Des portraits qui se détachent, qui s’extraient de leur support en quelque sorte. J’ai choisi des sujets plus expressifs que pour mes mobiles car je traite ici un vrai sujet de société.

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« Les affranchis » © Stéphanie Guglielmetti

 14) As-tu des des projets à venir et des ambitions particulières ?

J’ai plusieurs projets en cours pour diverses sociétés mais je ne peux pas en parler. En tout cas cela est très stimulant car il faut s’imprégner de l’ADN de la société, de ses valeurs  pour essayer de retranscrire une proposition qui lui corresponde et qui me corresponde. 

Sinon je n’ai pas d’ambitions particulières. Pour moi toute rencontre est belle, fait grandir et avancer. Je prends les choses comme elles viennent.  Cela va d’ailleurs de pair avec le côté aléatoire et imprévisible de mon travail.

15) Que peut-on te souhaiter pour la suite ?

De continuer à créer ; que cela continue à plaire aux autres et d’aboutir ce nouveau beau projet photo dans lequel je me suis lancée.


Portrait chinois de Stéphanie

Et si tu étais un(e)…


Couleur : 
bleus
Matière : 
L’air
Métal : la ferraille

Pierre : un petit caillou
Odeur : l’herbe fraîchement coupée

Bruit : un éclat de rire

Plat : la spécialité du chef
Goût : un petit goût de reviens-y
Fruit : les agrumes
Saison : celle en cours

Fleur : l’immortelle
Animal : une loutre de mer
Paysage : la ligne d’horizon
Pays : la Terre
Ville : Paris
Sport : collectif

Livre : un polar
Poème : une liste à la Prévert
Tableau : une œuvre trouée de la série Concetto Spaziale de Fontana
Style de Musique : le Jazz manouche

Film : la grande évasion
Personnage : mon père

Photographie : 
un contre-jour d’Atget
Courant artistique : 
Les Nouveaux Réalistes
Révolution (culturelle/sociale/historique) : Une révolution artistique, quelle qu’elle soit

Époque : L’instant
Vêtement : un foulard
Allure : celle de Niki de Saint Phalle

Pouvoir : 
M’envoler
Qualité : épicurienne

Défaut : Perfectionniste

Expression : 
 »Ecoute voir ! »
Mot : 

Ouvert

Citation : Laissez tomber les heures, les secondes et les minutes – Soyez dans le Temps – SOYEZ STATIQUE, SOYEZ STATIQUES – AVEC LE MOUVEMENT. Dans le statisme, au présent se déroulant MAINTENANT. Soyez libres, vivez ! 
Jean Tinguely, Für Statik, 1959, extrait.


   
    Mes échanges avec Stéphanie Guglielmetti m’ont offert une nouvelle vision de ses mobiles et une certitude : il est impossible d’en capter l’essence. Précisément car elle ne se laisse pas définir mais elle s’expérimente à travers une expérience personnelle –propre à chacun- de l’oeuvre. Une oeuvre qui, comme l’explique joliment notre sculptrice, prend le rythme de celui qui la regarde et continue de se créer selon les éléments qui l’entourent.
L’acquéreur d’un mobile deviendrait lui-même artiste à travers ce dialogue de création incessant.  Un art “vivant” qui vient souligner nos limites en même temps qu’il nous donne la parole. “Le chaos dans la rigueur”.

Tout cela a d’abord intrigué mon esprit quelque peu cartésien pour finalement laisser place à une grande bouffée d’air frais, un espace libre (et libérateur), une parenthèse presque magique où des mobiles se réinventent la nuit en sphères lumineuses tel des astres. J’ai particulièrement aimé la notion d’”Extractions”, où des pièces à priori imparfaites car différentes (re)trouvent une place à part entière dans un nouveau système qui ne les contraint pas pour autant. Sortir du cadre, proposer autre chose, se remettre en question sans cesse et se réinventer… n’est ce pas là le propre de tout artiste ?

J’admire le travail de Stéphanie Guglielmetti dans sa capacité à aller jusqu’au bout d’un processus de création mais aussi de réflexion dans une société où les artistes -bien qu’admirés- sont souvent pointés du doigt comme des individus “perchés”, marginaux” ou encore “hors norme”. Des expressions que je trouve, personnellement, assez inconsistantes. En effet, que signifie être dans la norme ? Qui définit la norme ? Est-ce seulement raisonnable d’être dans une norme ? Sur un ton plus léger, je pense à cette phrase relevée par le documentariste Loic Prigent retranscrite dans son livre J’adore la mode mais c’est tout ce que je déteste :  “Tu crois que je suis à côté de la plaque, mais ce n’est pas toi qui définis où est la plaque.”

Singularité, Liberté, Imprévisibilité. Voilà, en conclusion, ce que m’inspire les oeuvres de Stéphanie Guglielmetti. Des créations ne s’écrivant jamais de manière fixe ou définitive, ne fermant la porte à aucune possibilité mais s’ouvrant, à tout moment, au monde entier.
“Ouvrir le champ des possibles” pourrait être le mot de la fin ; c’est ce que je vous souhaite pour cette nouvelle année mais aussi pour les suivantes !

Rencontre avec Nina Deswarte, architecte de la couleur

  J’ai connu Nina sur les bancs de l’école des arts appliqués, à l’ENSAAMA Olivier de Serres à Paris lorsqu’elle était en section design d’espace. Ce n’est pourtant que des années plus tard, grâce aux réseaux sociaux (merci Instagram), que j’ai découvert son talent d’illustratrice.

De ses dessins jaillit la couleur dans un style qui n’est pas sans nous rappeler le fauvisme. Les traits sont rapides mais toujours justes, la technique faussement simple –allez donc essayer de dessiner en perspective en si peu de temps. Mais c’est définitivement la couleur qui donne toutes dimensions à ses dessins, qui les structure et leur «donne vie».
Rencontre avec une architecte de la couleur.

1) Peux-tu te présenter et nous raconter ton parcours de ces dernières années ?

Je suis Nina, j’ai 29 ans et j’ai toujours aimé dessiner.
Mon amour pour l’art, à la fois l’histoire de l’art et le dessin, m’a mené à l’École des Beaux Arts d’Avignon en Restauration d’oeuvre d’Art avant de poursuivre dans le Design (ENSAAMA Olivier de Serres), et plus spécifiquement en Architecture d’intérieur.

PortraitAprès Paris, je me suis installée à Bordeaux où j’ai dirigé mon agence d’architecture d’intérieur et de design pendant deux ans. J’ai mené à bien une dizaine de projets entre Lille, Paris et Bordeaux incluant la rénovation intégrale d’une ancienne imprimerie en loft à Montreuil, la remise à neuf d’une ancienne brasserie dans le Nord ainsi que le réaménagement d’un restaurant et la réhabilitation de maisons girondines.

Fin 2016, j’ai décidé de changer de cap en me dirigeant vers le graphisme, l’illustration et la communication de manière plus globale au coeur d’un projet innovant et disruptif qui me comble aujourd’hui.

2) Depuis quand dessines-tu et qu’est ce qui t’a mené à une production de dessin quotidienne si prolifique ?

Je dessine et je peins depuis que je suis petite. À l’école primaire, j’adorais illustrer mes cahiers de poésie, j’y mettais déjà beaucoup de couleurs. J’ai été extrêmement créative entre sept et dix ans, je dessinais instinctivement et je faisais beaucoup de peinture. C’est pendant cette période que j’ai appris l’essentiel : le lâcher prise et la confiance en soi.
Le théâtre m’a permis de confirmer ces traits de personnalité, par l’improvisation et l’écoute (de soi et des autres).

Parmi les milliers d’images qui nous traversent l’esprit tous les jours, j’essaie d’en sélectionner une par jour -la plus captivante- et de retransmettre l’émotion par le dessin rapide et spontané pour ne pas en perdre l’essence. Je capture les meilleures sensations d’une journée à la manière d’un journal de pures inspirations visuelles.


3) Combien de temps te prends l’élaboration de tes croquis ?
Où et comment dessines-tu ?

Mes croquis sont rapides, je m’oblige à réduire le temps de création pour garder l’image intacte et vivante dans mon esprit. Cinq à dix minutes suffisent pour mettre l’émotion sur papier.
 L’enjeu est de savoir quand s’arrêter, c’est un équilibre à trouver.

Si je ne produis pas chez moi, je dessine beaucoup sur mes lieux de voyages. J’aime prendre de la place pour être libre de mes gestes et je choisis généralement une grande table sur laquelle je peux étaler toutes mes couleurs.

Atelier
Atelier © Nina Deswarte


4) Pourquoi privilégies-tu les pastels gras ? Quelles autres techniques apprécies-tu ?

Les qualités majeures qui me plaisent dans cet outil sont les infinis mélanges de couleurs, l’épaisseur des contours, la quantité des nuances, la possibilité de gratter la matière, l’instantanéité (du fait de l’absence de séchage) et la puissance du trait.

J’ai longtemps adoré la peinture à l’huile sur toile, l’aquarelle, l’encre de Chine, les pastels secs et le fusain. Le collage est aussi une pratique que j’aime énormément.

5) Lorsque tu dessines, as-tu des idées précises en tête ou laisses-tu place à l’improvisation ? Quels sont tes sujets de prédilection ?

L’improvisation est la part la plus importante de mon processus créatif. Cependant, j’aime aussi revisiter des intérieurs bien décorés, des moments partagés avec des personnes de mon entourage ou mes animaux. Quand je dessine « à l’instinct », la première couleur guide la première forme et cela s’enchaîne assez naturellement, sans que je me pose trop de questions.

Les sujets de mes dessins changent constamment, sans que je le décide vraiment, et varient du figuratif à l’abstrait.

 

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6) Quelles sont tes sources d’inspiration ? Des artistes de référence ?

Récemment, le Portugal et l’Afrique du Sud sont deux pays qui m’ont vivement inspirés tant dans les motifs, les couleurs, les sujets, que dans le monde animal, la nature et l’architecture.

En parallèle des souvenirs de voyages, je suis influencée par de nombreux courants artistiques du début du XXème siècle, notamment le mouvement Post-Impressionisme -Paul Gauguin (a), Paul Cézanne (b), Vincent Van Gogh (c)- l’Expressionisme -Pablo Picasso (d) et Paul Klee (e)-, le Fauvisme -Henri Matisse (f)- et l’Art naïf -Le Douanier Rousseau (g).

Art Post-Impressionnisme
Art Post-Impressionnisme, moodboard © Nina Deswarte

Sur la scène contemporaine, je citerai le travail époustouflant de l’artiste africain Gareth Nyandoro (h). J’ai découvert des artistes du monde entier sur Instagram et je suis ainsi devenue une grande admiratrice des sculptures de Peter Lubach (i), des paysages colorés de Laurent Corvaisier (j), de la force des œuvres de Vittorino Curci (k), des installations fleuries d’Ann Wood (l), des croquis aux crayons de couleurs de Joey Yu (m) ou encore des céramiques de Claire Jonhson (n).

Art contemporain
Art contemporain, moodboard © Nina Deswarte

7) Comment définirais-tu ton style ?

Entre une forme d’Expressionnisme et d’Art Naïf.

8) Parmi tous tes dessins, lequel préfères-tu et pourquoi ?

Je dirais que mon dessin préféré est « Happy Figure » qui est à la fois doux et puissant. J’ai le souvenir d’avoir été surprise et touchée lorsque le dessin était achevé.

Happy Figure, 21x29,7cm, 2018
Happy Figure, 21×29,7cm, 2018, © Nina Deswarte


9) Vers quelle direction artistique aimerais-tu te diriger avec le dessin (envies, collaborations, sur mesure) ? Des projets à venir ?

Je pense que la prochaine étape sera d’exposer mes dessins et de faire découvrir mon travail aux adeptes des galeries d’art.
L’avantage de passer du digital au réel sera la lecture des textures, des reliefs, des polychromies. Seul un dessin vivant peut transmettre toute son émotion.


10) Y a t’il un message que tu aimerais faire passer à travers tes créations ?

Je ne ressens pas le besoin de communiquer un message en particulier dans mes œuvres, je tiens à ce que chacun éprouve mes créations de façon libre. Je tente de retranscrire tous les jours les images les plus positives et marquantes qui viennent à moi, en espérant intriguer et retranscrire cette énergie.


Portrait chinois de Nina

Et si tu étais un(e)…
Couleur : Jaune
Matière : Terre
Métal : Inoxydable
Pierre : Roches de Roussillon
Odeur : Une forêt de Pins
Bruit : Une chouette la nuit
Plat : Les plats de mon amoureux
Goût : Salé
Fruit : La Pêche
Saison : Été
Fleur : La Rose
Animal : Lion
Paysage : Le Fynbos au Cap
Pays : Un faible pour l’Italie
Ville : Bordeaux
Sport : Marathon
Livre : Les Livres d’Art
Poème : Alcool – Apollinaire
Tableau : Intérieur au rideau égyptien de Matisse
Style de Musique : Pop Rock Funk
Film : On Connaît La Chanson de Alain Resnais
Personnage : Peau d’Âne
Photographie : Berenice Abott
Courant artistique : Post-Impressionnisme
Révolution (culturelle/sociale/historique) : Droit de vote des femmes
Époque : le Présent
Vêtement : un beau manteau
Allure : Élégance
Pouvoir : la téléportation
Qualité : La Persévérance
Défaut : Susceptibilité
Expression : Pas folle, la guêpe !
Mot : Exploration

Citation : « On s’assied plus confortablement sur une couleur que l’on aime. »
Verner Panton


   S’ils ne sont pas chargés de messages, pour ne pas influencer le spectateur, il ne fait aucun doute que les dessins de Nina sont chargés d’émotions.
Ce qu’ils m’inspirent ? Une joie débordante, une énergie solaire, une poésie du quotidien. Une vision à l’image de leur créatrice, un brin hyper active, toujours souriante, la voie dynamique et pleine d’entrain laissant percevoir un esprit créatif foisonnant.

Plonger dans l’univers de Nina, c’est un peu regarder les choses à travers un filtre gai et optimiste où personnages, animaux, plantes ou objets dansent au rythme des couleurs et des motifs dans une harmonie qui leur est propre. Un filtre qu’on adopterait volontiers par ce mois de septembre synonyme de rentrée.

Cocorico

Cocorico ! C’était il y a un mois pile poil, un vent d’euphorie soufflait sur la France fière et heureuse d’un nouveau titre fraichement récolté.
Une coupe du monde en main, une deuxième étoile au tableau et hop, c’est tout le pays qui passe sous filtre frenchy drapé des fameuses couleurs tricolores de la tête au pieds.
Que l’on soit fan de football ou non, il faut avouer que c’est le meilleur prétexte l’occasion rêvée de mettre à jour son dressing pour être dans l’air du temps – d’autant plus que « le règne » va durer quatre ans. C’est long quatre ans. Voici donc quelques inspirations et une petite sélection de looks journée / soirée avec tous les détails du shopping.
Le défilé bleu blanc rouge ? C’est parti !

  • Moodboards

Trouver l’inspiration bleu blanc rouge c’est d’abord revisiter quelques codes (et clichés) de notre belle patrie avec la capitale en ligne de mire…

cocorico inpi 3
© JITMF 2018

L’élégance jalousée de la parisienne -ce petit je ne sais quoi vous savez- le made in France, l’artisanat, les carrés en soie, les pois, le coq, les rayures, le rouge à lèvres, le jean boyfriend, les espadrilles, le panier-cabas, la baguette, le vin…

cocorico inspi 2bisbis
© JITMF 2018

… les paillettes, Disneyland, les cabarets, le Crazy Horse, le glamour, l’amour, la Haute Couture, l’art moderne, les défilés, les créateurs, le savoir-faire, la beauté, l’exception, le luxe…

cocorico inspi 1
© JITMF 2018

… les librairies, les carnets Moleskine, les rubans, les paillettes, l’art, les brasseries, les cafés, le minimalisme, le chic-décontraté, les basiques, la marinère, le béret… et tant d’autres…

  • Shopping
    – Look Journée

    jour
    © JITMF 2018

    Pour aller acheter sa baguette tradition, faire le marché et/ou flâner dans le marais on a repéré (de gauche à droite) :

    1 – Collier ras du cou Agatha
    2 – Bustier Lacoste
    3 – Pantalon Zara
    4 – Lunettes de soleil Top Shop
    5 – Montre Rich Gone Broke
    6 – Derbies Mellow Yellow
    7 – Bandeau Bala Boosté
    8 – Robe chemisier Mango
    9 – Espadrilles compensées Mellow Yellow
    10 – B.O. créoles Aurélie Bidermann
    11 – Sac cabas Lacoste

    Le + : les derbies pour être chic à plat, à porter aussi bien en robe qu’en pantalon.

    – Look Soirée

soir
© JITMF 2018

Pour se rendre à un vernissage, dîner sur une péniche et/ou aller danser sur les quais rive gauche on a repéré (de gauche à droite) :

1 – Béret Top Shop
2 – Top ajouré Zara
3 – Jupe fendue H&M
4 – Escarpins Mellow Yellow
5 – Collier gri gri Bala Boosté
6 – Bracelet manchette Agatha
7 – Mini sac Lacoste
8 – Combinaison pantalon New Look
9 – Sandales à talons Repetto
10 – Veste en cuir style bombers Comptoir des Cotonniers
11 – Carré en soie Hermès

Le + : la combinaison ou LA pièce forte du moment. Pour sortir le soir on préfèrera une combinaison pantalon plus chic qu’une combi-short.

  • Bonus

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Allez-vous craquer pour le body « Blue velvet » en velours bleu nuit Noo, le sweat imprimé « Paris » & other Stories ou encore la bague « Lips » de Delfina Delettrez ?
Désormais la balle est dans votre camp…

Albert Besnard : du réalisme aux libertés de l’ailleurs, un voyage de toute beauté

Par une froide après-midi de janvier me voici sur les traces de «L’impertinent absolu», mais il y avait tant de monde qu’il me fut impossible de me projeter dans l’univers du célèbre dandy. En me baladant au coeur de ce Petit Palais que j’aime tant je suis alors tombée sur une rétrospective consacrée à Albert Besnard (1849-1934). De lui, je connaissais les splendides plafonds de la comédie Française et du vestibule d’entrée du Petit Palais, c’est à peu près tout. Il fut en effet un peintre décorateur majeur du Paris de la belle époque. Mais pas seulement…

Une palette sous influences

Albert Besnard fut d’abord un peintre réaliste à l’image du Portrait de Jeanne George (1874) réalisé l’année où il remporta le Grand Prix de Rome.

Néanmoins, l’influence de la peinture préraphaélite lors d’un séjour à Londres fait rapidement évoluer son style. Sa palette se fait alors plus vive, plus flamboyante.
Une palette qui ne tarda pas à faire scandale avec le Portrait de Madame Roger Jourdain (1886) à cause de ses contrastes colorés jugés trop violents. Le visage apparaissant presque jaune -dû à la lumière du moment- n’est en effet pas du goût de l’époque. Malgré cela, il devint un portraitiste en vogue qui représenta de nombreuses personnalités du monde littéraire et artistique de l’époque.

Pour ma part, ce qui retient mon attention dans le Portrait de Madame Jourdain ce n’est pas tant la couleur de son visage que les plis satinés de sa robe, si réels dans ces infinies nuances de blanc qu’ils semblent presque se détacher du tableau.
Cela me fait penser à Promenade au bord de la mer du peintre luministe Joaquin Sorolla (1863-1923) dont une rétrospective fut également organisée au Petit palais il y a 10 ans. Bien que profondément différents de par leurs contextes, il y a quelque chose de commun entre ces deux peintres dans cette capacité à maîtriser le blanc et à jouer avec la lumière.

La lumière semble également jaillir par multiples touches du Portrait de Madame Pillet-Will (1900). Sa robe «écaillée d’argent», véritable fourreau de sirène, lui vole pratiquement la vedette.

Lumière brûlante enfin avec le Portrait de Jeanne Bardet (1894) où une cascade de drapés jaune-orangé n’en finit pas de réchauffer le tableau de flammes vibrantes.

Ce traitement subtil de la couleur pour représenter les étoffes de ces dames ne pouvait que séduire la passionnée de textile que je suis.

Célébrer la beauté féminine

Qu’il s’agisse de portraits mondains ou intimes, Besnard célèbre la beauté féminine.
C’est avec la technique du pastel qu’il excelle à révéler la sensualité de ses sujets. Celui qui fut président de la société française des pastellistes de 1908 à 1913 à réalisé de nombreux portraits et nus avec ce médium approfondissant ainsi ses recherches colorées.

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Baigneuse (1888) pastel sur papier gris, 73,2 x 40,2 cm.

La Baigneuse (1888) illustre bien la virtuosité du pastelliste.
En effet, parmi les sujets colorés les plus délicats à représenter figurent certainement le blanc et l’eau. Le blanc, Besnard nous en a fait la démonstration avec le Portrait de Madame Roger Jourdain (1886). Et voici l’eau, représentée simplement par quelques lignes fluides.

Ce tableau a quelque chose de mystérieux à commencer par cette baigneuse mélancolique donc l’identité demeure incertaine. Puis il y a cette palette de couleurs plutôt inhabituelles. Cette coulée d’or reflète t-elle un coucher de soleil se révélant dans une rivière ou bien une identité symboliste affirmée ? Et que dire enfin de cette ambiance vaporeuse. Cette jolie baigneuse rêvant n’a t-elle pas seulement été rêvée ?
Dans tous les cas, il émane de ce tableau une extrême douceur où l’eau enveloppe et caresse la jeune femme de ses rayons lumineux pour mieux la sublimer.


Entre féerie et noirceur

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Féerie intime (1901) huile sur toile, 146 x 155 cm.

Besnard n’a pas seulement révélé la beauté féminine dans tout ce qu’elle a de merveilleux comme en témoigne féerie Intime (1901) qui laisse percevoir une autre facette du peintre.
Voici un clair-obscur saisissant où la cuisse d’albâtre de la belle alanguie se démarque du reste du tableau à moitié plongé dans l’obscurité. À la beauté féminine se mêle ici une part d’ombre. Une beauté entre opacité et lumière.

On remarque toujours cette prouesse à peindre les somptueuses toilettes et bijoux qui participent à cette féerie intime révélée aux yeux de tous.

Décorateur, peintre, pastelliste, mais aussi graveur. La gravure lui permit de traiter des sujets plus sombres parfois témoins de ses angoisses. Ainsi, la série de 12 planches gravées à l’eau forte intitulée La Femme (1885) offre une vision résolument pessimiste du cycle féminin, de la naissance à la mort. Une Mort qui va jusqu’à devenir le sujet principal d’une autre série de planches intitulée Elle (1900).

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L’Enivrement des roses (1899). Huile sur toile.

Ce thème angoissant se retrouve aussi de manière plus implicite à travers d’autres œuvres. En effet, L’enivrement des roses (1889) par exemple peut être vu comme une allégorie de l’odorat mais aussi de la finitude humaine : les roses évoquent la beauté éphémère, le temps qui passe. Après l’éclatante floraison vient l’inévitable pourriture.

La beauté face à l’épreuve du temps, un sujet récemment abordé par le réalisateur Nicolas Winding Refn. «Vous n’aurez jamais la beauté et la longévité. Mais si vous le voulez absolument on bascule dans l’horreur.» témoigne t-il à propos de son film The Neon Demon (2016).

Albert Besnard peintre de la beauté féminine, luministe avant-garde mais aussi graveur de la noirceur humaine donc. Comme si l’un ne pouvait s’envisager sans l’autre. De quoi faire un parallèle avec une citation de Jean Michel Othoniel dans le cadre de son exposition My Way (2011) au centre Pompidou : «La beauté n’existe pas sans sa part d’ombre. Si on veut parler du beau il faut aussi parler du grotesque, des monstres, de la violence.»

Les libertés de l’ailleurs

La palette flamboyante de Besnard se révèle à son apogée dans les années 1910 suite à ses voyages en Espagne, au Maroc en Algérie et en Inde.
La féerie orientale apparaît à travers des tons réchauffés à l’image de ces Femme de Madura qui débordent de sensualité avec leurs peaux mordorées. La couleur éclate avec enthousiasme sur des toiles où styles réaliste et symboliste se mêlent d’une manière totalement libérée.

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De ses voyages il ramène notamment L’Algérienne (1893) et La Favorite (1892), figures mystérieuses, délicieusement envoûtantes, exprimant les goûts et les richesses de l’ailleurs.

Je vais là-bas pour être un autre homme […] parmi les hommes autres.» écrit le désormais directeur de la Villa Médicis dans son récit de voyage L’Homme en rose ou l’Inde couleur de sang en 1913.


Merci Mr Besnard pour cette véritable invitation au voyage là où «tout n’est qu’ordre et beauté, luxe, calme et volupté.» Comme il est étonnant que votre nom ne soit pas plus souvent évoqué dans l’histoire de la peinture française !

Quel pinceau pour quel make-up ?

I. État des lieux

Jusqu’à récemment, mes connaissances sur les pinceaux se résumaient à quelques techniques picturales développées lors de mes études en arts appliqués. Comme toute coquette qui se respecte, je connaissais les pinceaux poudre, blush, lèvres et sourcils. Mais de là à imaginer qu’il existe une dizaine de pinceaux rien que pour travailler le teint… 

Pinceaux couvrant, diffuseur, tapoteur, éventail, correcteur, kabuki, estompeur, mélangeur, ombreur, arrondis, fournis, rectangulaires, plats, biseautés, éventail, eyeliner, ras de cils, creux de paupières… c’est le cas de le dire, il y a de quoi s’emmêler les pinceaux !

J’aurai pu passer des heures sur internet pour comprendre le pourquoi du comment mais une solution m’a semblé beaucoup plus pertinente : rencontrer mon ami Vincent Brière, Make-up Artist, actuellement en formation à l’école Make-up Atelier Paris. Une manière aussi de ne pas être influencée par ce qui a déjà pu se dire et d’apprendre par moi-même.

Ce jour là, Vincent était très occupé à implanter une moustache sur une poupée (décidément ils en apprennent des choses en école de make-up). Je commence par observer sagement son matériel, en particulier sa trousse à pinceaux et là, c’est le drame, je suis perdue.

Trousse pinceaux Vincent
© JITMF

Pourtant j’avais révisé avant de venir, j’avais même fait des fiches mémo comme au collège pour ne pas avoir l’air totalement inculte. Bref, j’ai fini par appeler au secours, n’en déplaise à la poupée encore bien dégarnie. Je demande à Vincent de me montrer ses pinceaux incontournables. Certains le sont tellement qu’il y sont en double (en plus il y a des pièges). Mais ne nous laissons pas impressionner et allons à l’essentiel.

II. Matières et formes

On distingue deux grandes familles : les pinceaux à poils naturels pour les textures sèches ou poudrées et ceux à poils synthétiques pour les matières fluides, crémeuses ou grasses.
Certains pinceaux font cependant exception à cette règle (ça serait trop simple sinon). C’est le cas des pinceaux tapoteurs, également appelés diffuseurs ou encore duo fibre, qui possèdent à la fois des poils naturels et synthétiques. Ces derniers ont l’avantage de s’adapter à la fois aux textures sèches et fluides.

A chaque forme de pinceau correspond un effet recherché : rond pour diffuser, plat pour appliquer, rectangulaire pour tracer, biseauté pour dégrader…
De même, la forme du pinceau varie selon la zone du visage à maquiller. On obtient ainsi quatre groupes : les pinceaux pour le teint, les yeux, les sourcils et les lèvres.

 III. Quel pinceau pour quelle zone du visage et pour quel usage ?

  1. Le teint – Corriger, unifier, matifier, illuminer

Teint
© JITMF

Prémière étape : corriger. C’est à l’aide du petit pinceau rectangulaire ras de cils (1) que l’on vient camoufler cernes, rougeurs et autres imperfections. Si les cernes sont vraiment marqués, on utilise un pinceau correcteur classique (2), légèrement plus épais. Ensuite on applique sa base ou sa crème de jour l’aide d’un pinceau fond de teint (3).

L’étape suivante consiste à unifier. Pour déposer son fond de teint, on utilise le même pinceau que celui de la base (3). Pour éviter l’effet masque on peut également utiliser le pinceau tapoteur (5) puis on fixe/matifie l’ensemble avec un pinceau poudre (4).

Dernière étape : illuminer. C’est le moment de faire monter le rose aux joues à l’aide d’un pinceau blush (6). En été pour un teint plus doré le pinceau éventail est parfait pour déposer sa poudre soleil en toute subtilité grâce à sa forme évasée qui « balaie » le surplus.

2. Les yeux – Tracer, appliquer, ombrer, dégrader

yeux
© JITMF

Pour tracer au dessus comme en dessous de l’œil rien de mieux que le pinceau eyeliner (1) qui offre une grande précision.
Pour appliquer son fard à paupière on choisit le pinceau ombreur (2) ou le mélangeur-estompeur (3) si l’on est d’humeur créative.
Pour dégrader les fards sur le coin externe de la paupière, le pinceau ombreur biseauté (4) est idéal.

3. Les sourcils – Dessiner, sculpter, brosser

Sourcils
© JITMF

Pour les sourcils il y a deux écoles : celles qui utilisent un crayon en remplissant les sourcils de petites hachures et celles qui les travaillent au fard à l’aide d’un pinceau biseau sourcils (1). Cette seconde technique permet un fondu plus naturel. Pour intensifier le résultat, il suffit d’humidifier légèrement son pinceau et de travailler le fard mouillé.

Quelle que soit la technique utilisée, il est indispensable de peigner ses sourcils à l’aide d’un goupillon (2) ou d’un pinceau brosse pour les discipliner et leur dessiner une jolie forme.

4. Les lèvres – Appliquer, définir, remplir

Lèvres
© JITMF

Impossible de se tromper, il n’ existe qu’un modèle. Seule la taille peut varier. Il s’agit d‘un pinceau très fin et forcément avec des poils synthétiques puisque la matière travaillée est toujours grasse. Il est parfait pour appliquer un rouge à lèvres et en définir les contours après les avoir esquissé au crayon à lèvres. On finit par poudrer la bouche pour fixer le rouge et le tour est joué !

IV. DO et DON’T

Voici les conseils de Priscilla Dana formatrice à l’école Make-up Atelier.

DO :

> Poser son mascara en effectuant un mouvement d’enroulement avec le pinceau brosse pour bien enrober tous les cils.
> Appliquer son rouge à lèvres au pinceau pour un résultat bien plus net surtout aux commissures.
> Se servir du petit pinceau rectangulaire pour les retouches corrections à des endroits précis et fins tel que le ras des cils ou les arrêtes du nez.
> Privilégier les pinceaux en poils naturels qui ne laissent pas de traces. En effet alors que les pinceaux en poils synthétiques restituent toute la matière et « marquent », ceux à poils naturels, en absorbant une partie de la matière prélevée, offrent un rendu bien plus naturel.
> Parmi les pinceaux à poils synthétiques choisir ceux en Taklon, la fibre imitant le mieux les pinceaux en poils naturels qui se trouve en plus dotée d’un traitement anti-bactérien.

DON’T :

X  Secouer de haut en bas sa brosse à mascara -ce que l’on fait toutes pensant bien faire pour la « recharger » en pigments. En réalité, cela fait rentrer de l’air dans le tube et assèche la texture qui dure alors deux fois moins longtemps.
X  Utiliser un pinceau trop épais pour le tracé eyeliner. Il faut choisir le plus fin possible pour être sûre de réussir son coup. Le pinceau échelle 0 par exemple.
X  Utiliser des pinceaux en mousse, à fuir à cause des traces.
X  Ne pas nettoyer ses pinceaux. Penser à leur faire un petit shampouinage à l’eau et au savon de Marseille au moins une fois par semaine, surtout si leur usage est quotidien car sinon vive les nids de bactéries !

V. Test

C’est le moment de tester vos connaissances, alors quel pinceau pour quel make-up ?
À vous de jouer !

Réponses
Image n°1 : Pinceaux eyeliner / ombreur / ombreur biseauté / sourcils / goupillon.
Image n°2 : Pinceaux fond de teint / ombreur / mélangeur-estompeur / lèvres.
Image n°3 : Pinceaux fond de teint / poudre / blush / lèvres / sourcils.

Vous n’avez pas fait un zéro faute à ce test ? Pas de panique car comme dirait Oprah Winfrey :

Peu importe le défi que vous avez à surmonter, vous devez vous rappeler que même si la toile de votre vie se peint au fil de vos expériences, de vos comportements, de vos réactions et de vos émotions, c’est vous qui avez le pinceau en main. (Ce dont je suis certaine, 2015).

Cet article a été publié sur le blog de GlossyBox.

 

Rencontre avec Flavie Paris, Artiste joaillier

J-4 On parle de la St Valentin bien entendu. Une belle occasion d’offrir des preuves d’amour, que l’on soit en couple ou pas. Pour cela, quoi de mieux qu’un bijou ? Mais attention, pas n’importe lequel. On le voudrait poétique, chargé de symboles et surtout unique.
En quête du bijou idéal dans la cité de l’amour et du charme éternel, que va t-on trouver au cœur de Paris ? Justement, on a rendez-vous dans le Marais avec Flavie Paris, une créatrice de joaillerie qui nous ouvre les portes de son atelier.
Rencontre avec une artiste passionnée, sensible et éperdument romantique.

Peux-tu te présenter ?
Je m’appelle Flavie, j’ai 29 ans. Après mon bac, j’ai étudié l’histoire de l’art à la Sorbonne avant de me consacrer à ma passion : la création de bijoux. Après avoir obtenu ma licence d’histoire de l’art et d’archéologie, j’ai donc intégré une école de joaillerie : l’école de la rue du Louvre BJOP. Pendant 4 ans, je me suis formée en alternance au sein d’un des plus beaux ateliers du monde : Cartier. J’ai ensuite travaillé deux ans à Hong Kong avant de revenir à ma ville de coeur, Paris. Aujourd’hui, je possède ma société Flavie Paris représentant ma marque de bijoux Flav paris créée il y a un peu plus d’un an. En octobre dernier, la Chambre de Métiers et de l’Artisanat de Paris m’a attribué le titre de maître artisan.

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© Avril Dunoyer

Pourquoi avoir étudié l’archéologie, y a-t-il un lien avec l’univers du bijou ?  
L’étude de l’histoire des arts et de l’archéologie m’a permis d’approfondir mes connaissances sur les différentes techniques de fabrication des bijoux et courants artistiques de l’antiquité jusqu’à nos jours. De la théorie, je suis passée à la pratique en me mettant à créer mes propres bijoux avec ce bagage culturel qui me nourrit sans cesse. Je m’inspire par exemple beaucoup de l’antiquité, de l’Egypte ancienne.

En quoi t’inspires-tu de l’antiquité ?
À travers mon procédé de fabrication d’abord. En effet, je crée mes bijoux de manière traditionnelle, entièrement à la main, et j’utilise une technique datant de l’antiquité : la fonte à la cire perdue. Je sculpte la plupart de mes bijoux dans la cire ce qui me permet d’être très libre dans le choix de mes formes, des courbes notamment. Ensuite, un moule est créé autour de la cire -aujourd’hui les moules sont en silicone mais dans l’antiquité on utilisait une âme de bois. Lors de la dernière étape, la cire chauffée s’évapore et laisse l’empreinte du bijou dans le moule au sein duquel on coule le métal en fusion.

L’antiquité se retrouve par ailleurs dans mes créations en termes de source d’inspiration. Ainsi, dans ma collection Paris by Paris, la forme de la bague Secret dévoilé évoque tant l’architecture de la Pyramide du Louvre que celle des pyramides égyptiennes. Le diamant à l’intérieur symbolise quant à lui le trésor qui y était caché – les sarcophages des pharaons étaient cachés au coeur des pyramides et accompagnés de trésors infiniment précieux.

Quel fut le point de départ de cette première collection Paris by Paris 
Mon amour pour la ville de Paris déjà. J’ai eu l’idée de créer des bijoux inspirés de l’architecture parisienne évoquant, à ceux qui les portent, des moments amoureux ou familiers dans le décor parisien. Et puis Paris c’est mon nom de famille aussi !
Chacun des bijoux de cette collection est lié à un monument/une caractéristique architecturale emblématique de Paris qui est également symbole d’amour : Charmant évoque la Tour Eiffel où tous les amoureux se retrouvent ; Be my Love le pont des arts avec ses cadenas accrochés pour sceller une relation ; Où je t’ai croisé un panneau de rue sur lequel on peut inscrire le lieu où l’on a rencontré sa bien aimée…

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A quel type de femme s’adressent les bijoux Flav Paris  ?
Mes bijoux s’adressent à toutes les femmes de tous les âges et styles. Selon moi, ce n’est pas le bijou qui fait le style, c’est la manière dont on le porte.

Comment définirais-tu ton style?
Il est très difficile pour un créateur de définir son propre style car il s’agit souvent d’inspirations personnelles que l’on n’expliquent pas toujours. Je dirais que mes bijoux sont modernes et épurés, (j’espère) élégants et avec une touche d’audace !

Quels univers et créateurs t’inspirent?
J’essaie de m’inspirer de beaucoup de choses et pas forcément d’autres bijoux pour ne pas tomber dans le « déjà vu ». Je me nourris du quotidien, de la vie en général : une balade, un moment entre amis, des passants dans la rue, l’architecture… je pars souvent de certains sentiments, ressentis, auxquels je mêle des inspirations artistiques comme la peinture, l’architecture, la sculpture etc.

Quels bijoux et matériaux préfères-tu travailler?
J’aime tous les bijoux, mais j’ai un faible pour les bagues. J’aime travailler les métaux  précieux, l’or est mon favoris. Je travaille aussi l’or noir que je préfère à l’argent.
J’aime donner un aspect un peu usé à mes bijoux, comme s’ils avaient vécu, c’est pourquoi la plupart du temps je sable ou je brosse le métal. Cela a également l’avantage de mieux faire ressortir les pierres serties étant donné qu’une fois poli, le métal brille moins.
Côté pierres, je suis une inconditionnelle des diamants car ils n’ont pas d’humeur, ils se portent avec tout, à tout moment.

Tu privilégies l’artisanat, le fait-main. Réalises-tu aussi des bijoux sur-mesure ou personnalisés ? 
Oui cela représente une grande partie de mon travail, les clients qui aiment mon style sont friands de créations sur mesure, pensées et fabriquées pour eux spécialement.
Le fait de travailler à la main offre des possibilités infinies de créations. La personnalisation va de la modification d’un modèle issu de mes collections (changer le coloris, y graver un message) à la création de toute pièce d’un modèle unique sur demande.
J’ai créé récemment une alliance sur-mesure pour une cliente venue à l’atelier avec des croquis et des idées. J’ai retravaillé les dessins en respectant au maximum ses indications et en essayant de m’approcher au plus près de ses envies. Au final, elle était très contente du résultat. C’est toujours un challenge pour un créateur de comprendre et d’interpréter les envies de ses clients mais c’est aussi ce qui rend ce métier si passionnant !

Combien de temps la création d’un bijou te prend t-elle ?  
Tout dépend du bijou. Au minimum quelques heures, parfois quelques semaines si la pièce est très riche en pierres ou s’il y a des systèmes à fabriquer. Tout ce qui est fait main demande de la concentration et un certain temps d’exécution. Le bijou qui en ressort est « vivant » car il naît véritablement de la passion de son créateur.
De l’idée du bijou à sa livraison dans son écrin, il y a un nombre important d’étapes : le dessin, la sculpture, les finitions, le choix des pierres, le sertissage et les déplacements !

As-tu déjà envisagé des collaborations avec d’autres artistes/marques ?
C’est un projet auquel je pense mais ce n’est pas d’actualité. J’ai encore beaucoup de choses à mettre en place et à développer avant de songer à des partenariats créatifs, mais cela viendra oui, l’idée me plaît.

L’amour comme source majeure d’inspiration, des bijoux uniques travaillés à la main, des poèmes pour illustrer tes créations sur ton site… ton approche du bijou est très sentimentale et symbolique n’est-ce pas?
Absolument. Lorsque je créer, mes sentiments, mes envies, ce que je vis à ce moment là, s’expriment dans mes bijoux comme pour un peintre. Lorsque l’on connait la vie personnel des grands peintres, on comprend mieux pourquoi ils ont peint tel tableau à tel moment. La main du créateur est le reflet de ses émotions. Je suis une romantique !
Pour la collection Accroche-moi, j’ai voulu jouer sur cet aspect d’appartenance à l’être aimé -dans le bon sens du terme bien entendu- sur le fait d’être attaché à quelqu’un par amour ou par amitié avec des objets mécaniques/techniques qui servent à accrocher quelque chose : des crochets, des outils comme une clef à molette etc.

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Y a t-il un message que tu aimerais faire passer à travers tes créations?
Un message de paix, d’amour. Le bijou est le premier symbole d’amour depuis l’antiquité, il se transmet de génération en génération, et est témoin des plus beaux événements de la vie : la naissance d’un enfant, le mariage, les anniversaires… Il est source de joie, c’est vraiment cela que je cherche à mettre en avant et que j’ai en tête quand je crée.

As-tu des projets à venir?
Je travaille sur une nouvelle collection mais c’est un secret !


Et si tu étais un/une…
Couleur : le rose
Matière : un pétale de rose
Métal : l’or
Pierre : le diamant
Odeur  : du croissant chaud
Plat : le tiramisu de ma maman
Fruit : le kiwi
Saison : l’été
Fleur : la violette
Animal : un bouledogue, le mien a la vie trop cool
Paysage : la Tour Eiffel vue depuis les toits parisiens
Pays : la France
Ville : Paris
Sport : le tennis
Livre : de Jane Austen
Poème Demain dès l’aube de Victor Hugo
Tableau : L’enlèvement des Sabines de David
Musique : Howl’s moving Castle de Joe Hisaishi
Film : Peau d’âne de Jacques Demy
Photo : Le Baiser de Doisneau
Courant artistique : l’art contemporain
Révolution : le salon des refusés de mai 1863
Époque : aujourd’hui
Style : celui dans lequel on se sent bien
Vêtement : des creepers underground
Personnage imaginaire : mon ange gardien
Super pouvoir : exaucer les voeux
Qualité : honnête
Défaut : honnête
Mot : amoureuse  

Des techniques puisées dans l’antiquité côtoyant des formes graphiques et modernes ; des matériaux bruts travaillés dans un style épuré. Flav Paris ou l’art de mélanger l’ancien et le nouveau avec élégance. En cela, le mot de la fin pourrait être « paradoxal » comme l’est parfois d’ailleurs le lien amoureux.
Voilà en tout cas des créations qui donnent envie de devenir touriste dans sa propre ville, de sillonner les rues Parisiennes et d’y trouver l’amour… qui sera peut-être le début d’un bel engrenage. Au coeur de Paris, on vient de trouver un véritable écrin à bijoux.
Poétiques, symboliques ET uniques.

En vert et contre tout

Ce fut l’invité surprise sur les défilés printemps-été 2016, délicatement déposé en dégradé de nuances chlorophylle sur les paupières. Un petit caprice haute couture qui ne manqua pas d’entraîner au passage une déferlante de teintes sapin, menthe, olive, pomme, basilic, émeraude, matcha ou encore wasabi dans les univers de la cosmétique, de la décoration ou de l’alimentation. Aux prémices de 2016, il n’existe pas un secteur que le vert n’ait pas déjà conquis. Petit flashback sur une couleur qui fascine autant qu’elle révulse.

Une couleur ambivalente

Si le bleu apparaît avec une certaine constance comme la couleur préférée des français le vert, lui, divise. Il faut dire que culturellement parlant, c’est une couleur ambivalente : il peut aussi bien faire référence à la vie, à la chance et à l’espérance comme au poison, à la maladie ou au malheur.

Parce que cette couleur est restée la plus instable chimiquement pendant des siècles en Europe -les peintres et teinturiers n’arrivaient pas à la fixer- elle est associée à ce qui est changeant et éphémère : l’amour, la chance, la fortune. C’est la couleur de l’indécision mais aussi du destin. Ainsi les tables de billards et autres tapis de jeux, là où l’on s’en remet au hasard, sont verts ce depuis le XVIème siècle.

Qu’il s’agisse de l’herbe du pré, de la feutrine des tables de roulette ou de bridge, de la pelouse des terrains de football ou de rugby, du bois des tables de ping-pong, la surface où se joue le destin des compétiteurs est associée à la couleur verte. Avec le vert, « les jeux sont faits ». Les couleurs de nos souvenirs, Michel Pastoureau.

D’une couleur maudite…

Le vert est la couleur évoquant le plus grand nombre de superstitions en Europe. La plus connue remonte au XVIIème siècle, il s’agit de la crainte du vert au théâtre. Tout cela s’explique par une histoire de teinture. En effet, à l’époque comme on ne maîtrisait pas encore la synthèse du bleu et du jaune, le vert était obtenu par des colorants végétaux et restait toujours pâle. Pour obtenir un vert franc, des comédiens étrangers eurent l’idée d’utiliser le vert-de-gris, un pigment particulièrement toxique dont se servaient les peintres. Résultat, plusieurs comédiens moururent empoisonnés sans que le lien soit fait avec le dangereux pigment. Le vert devint alors synonyme de malédiction et fut peu à peu banni des théâtres.

Longtemps associée au Diable et à ses créatures, cette couleur est restée liée à la magie, aux êtres étranges et fantastiques : fées, lutins, génies…
Dans le secteur du prêt-à-porter on constate que le vert se vend difficilement en raison de ces vieilles croyances. Idem dans le secteur de la joaillerie où les émeraudes se font rares.

… vers une couleur salvatrice ?

Ce n’est qu’au cours du XIXème siècle que le vert est devenu la couleur de la nature puis celle de la santé et de l’hygiène.
Aujourd’hui, il est associé à la nature, à l’agriculture biologique, à l’écologie “les verts”, au recyclage, à la santé (les croix des pharmacies vertes depuis 1880), à la phytothérapie, à la beauté (des jus détox aux régimes vegan en passant par le packaging des crèmes minceur).
D’un breuvage poison, le vert semble devenu symbole de potion magique, en témoigne le succès actuel des green smoothies aux multiples vertus.

“Autrefois délaissé, rejeté, mal aimé, le vert est devenu une couleur messianique.”
Vert, histoire d’une couleur. Il va sauver le monde. Michel Pastoureau

Il se peut que le vert soit en passe de sauver la planète. Il se peut également qu’il soit juste élu couleur de l’année 2016 avant de devenir terriblement « has been » et « boring ». Ce qui est certain, c’est qu’il continuera de ne pas laisser indifférent, en vert et contre tout.

  • Moodboard  d’inspiration

inspi

  • Mode

Version Journée

green mode jour

  • Pull H&M
  • Baskets Air Max Nike
  • BO BalaBoosté
  • Pantalon H&M
  • Manteau Sandro
  • Broche Macon & Lesquoy
  • Sac Messenger APC

Version Soiréegreen mode

  • Robe longue & Other Stories
  • Robe courte Sandro
  • Sandales Michel Vivien
  • Bague Pascale Monvoisin
  • Bracelet Naomi Agatha
  • Manteau poilu Monoprix
  • Pochette bijoux Sestra

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  1. Top épaules nues H&M
  2. Robe patineuse Zara
  3. Robe imprimée Carine Roitfeld pour Uniqlo
  4.  Jupe Sandro
  5. Veste bi-matière Le Mont Saint Michel
  6. Bomber en satin H&M
  7. Lingerie Huit
  8. Ballerines Repetto
  9. Bottines Michel Vivien
  10. Baskets Esplar Veja
  11. Sac Wyoming Palmeral Eastpak
  12. Sac cartable Topshop
  13. Pochette Bimba y Lola
  14. Pochette United Colors of Benetton
  15. Porte-monnaie Tipthara
  16. Montre Polar A360
  • Beauté

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  1. Douche exfoliante à la menthe Kneipp
  2. Galet de bain effervescent à l’épicéa Kneipp
  3. Coffret verveine-agrumes Jeanne Arthes
  4. Mousse de douche Tai Chi Rituals
  5. Gel douche & bain moussant au Kiwi Energie Fruit
  6. Après-shampoing à la verveine L’occitane
  7. Beurre corporel au thé vert The Body Shop
  8. Coffret pour les mains Maroccan Tea & Other Stories
  9. Brume Yin Rituals
  10. Masque gel détoxifiant au concombre Peter Thomas Roth
  11. Masque microfibre hydratant Qiriness
  12. Sérum visage La Rivière
  13. Eau de soin énergisante Payot
  14. Parfum Chance l’eau fraîche Chanel
  15. Eau de toilette Un jardin sur le toit Hermès
  16. Le parfum L’Eau Couture Elie Saab
  17. Eau de parfum Décadence Marc Jacobs
  18. Fard à paupières irisé Vert prairie Make up forever
  19. Crayon fard à paupières waterproof Metallic golden kaki Make up forever
  20. Ombre à paupières Vert scintillant Etam
  21. Vernis gris-vert Essie
  22. Vernis Brazil collection OPI
  23. Vernis bio vert Hope Kurebazaar
  • Conseils Beauté

Selon sa carnation

Le maquillage vert convient à tous les types de peaux il suffit de choisir la bonne nuance selon sa carnation.

Peaux claires : préfèrent les verts froids aux reflets bleutés (émeraude, sapin, menthe à l’eau, mousse, céladon, vert-de-gris..) dans des teintes claires ou foncées.
> Peaux mates : peuvent se permettre les verts chauds comme froids, dans des teintes de préférence soutenues.
> Peaux foncées : font ressortir à merveille les verts chauds aux reflets dorés (pomme granny, anis, pistache, olive, kaki…) dans des teintes plutôt claires.

Feu vert sur les paupières

Il existe plusieurs techniques pour appliquer son vert : à l’eyeliner, au pinceau.. tout dépend de la matière utilisée et de l’effet voulu. Voici plusieurs rendus du plus discret au plus osé :

  1. En trait fin sous les cils inférieurs,
  2. En trait épais et graphique sur la paupière supérieure,
  3. En épaisse couche sur toute la paupière mobile,
  4. En halo diffus et dégradé tout autour de l’oeil.

NB : Attention tout de même à ne pas se transformer en sosie de Poison Ivy !

Les bonnes associations de couleurs

Certaines couleurs se marient à merveille avec le vert. Voici quelques idées d’associations :

  1. Vert clair/foncé + bleu foncé,
  2. Vert clair/foncé + or,
  3. Vert clair/foncé + bleu foncé + taupe,
  4. Vert foncé + violet,
  5. Vert foncé + bleu + violet dans un dégradé de couleurs mordorées type bronze ou cuivre. Effet scarabée garanti !

  • Décoration

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  1. Coffret d’assiettes à desserts Deshoulières
  2. Tasses à café et soucoupes Deshoulières
  3. Théière Kusa Iro en fonte verte Nature & Découverte

  4. Verrine Coming B
  5. Bol Vert Oribe The Oriental Shop
  6. Vase Rifton Kavehome
  7. Vase Scarabée Moustache
  8. Vase Cactus AM.PM
  9. Bougie Amande Jolie La Française
  10. Bougie Herbes Fraîches La Belle Mèche
  11. Bougie parfumée H&M
  12. Coffret d’encens parfumé Thé après l’orage Mariages Frères
  13. Brume d’oreiller au jasmin Au pays de la fleur d’oranger
  14. Coussin Kota par Iosis pour Yves Delorme
  15. Fauteuil à accoudoirs William AM.PM
  16. Guirlande Papier vert Sky Lantern
  17. Trophée cerf Copilot Miho
  18. Étagère Elipse Kavehome
  19. Horloge murale Boconcept
  20. Table basse Normann Copenhagen
  21. Vide poche La Chance
  22. Lampe de table Transloetj Fatboy
  23. Le livre des Palmiers chez Fleux
  24. Livre Indoor Green : living with plants MrKitly
  25. Cactus de Pâques Truffaut
  26. Arbre de Jade Paris-Bonsaï
  27. Gland de clé Zara Home
  • Alimentation

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  1. Bûchette de saumon fumé et chèvre frais aux baies roses Fauchon
  2. Pesto à la génoise La Favorita
  3. Moutarde Basilic Maille
  4. Wasabi en tube Yamachu
  5. Cardamone verte Hediard
  6. Sel fumé Terre Exotique
  7. Herbes à salade Bio Truffaut
  8. Spray huile d’olive extra Bio Truffaut
  9. Cornichons aigre-doux Bio La Vie Claire
  10. Câpres au sel marin La Nicchia
  11. Haricots mungo dit « soja vert » Naturalia
  12. Graines de courge Markal
  13. Pâtisserie Le Fruithé thé Matcha et framboise Eugène Paris
  14. Sorbet à la poire Picard
  15. Grand macaron à la pistache La Grande Epicerie de Paris
  16. Madeleines à la pistache Le Petit Colibri
  17. Cookie Matcha Blanc Jean Hwang Carrant
  18. Purée de pistache Jean Hervé
  19. Thé noir yuzu, pétales de rose et note de guimauve Happy Tea Mariages frères
  20. Thé Japonais Toraya
  21. Infusion rooibos verveine-menthe Lov Organic
  22. Smoothie détox n°4 banane-kale-épinard-kiwi Bojus

Rencontre avec Maja Savic créatrice de produits de beauté bio

One day, while I was standing in line in front of the Petit Palais for an exhibition I met a nice young woman. We started talking together and, the more we discussed, the more I wanted to know more about her life as I was impressed with all what she does. She said to me that she was creating bio beauty products and I was actually searching for a subject for a new beauty article at that moment. “Paris is the city of coincidences” a friend of mine used to say. Sometimes it actually seems to be. So here is Maja (pronounce Maïa), creator of bio beauty products and much more…

Un jour alors que je faisais la queue en attendant de voir une exposition au Petit Palais je fis la connaissance d’une jeune femme fort sympathique. Nous commençâmes à parler et, plus nous discutions, plus j’avais envie d’en savoir plus sur sa vie tant j’étais impressionnée par tout ce qu’elle faisait. Elle me raconta qu’elle créait des produits de beauté bio or j’étais justement à la recherche d’un sujet pour un nouvel article beauté à ce moment là. Un de mes amis dit souvent que “Paris est la ville des coïncidences”. Parfois Il semblerait que ce soit bel et bien le cas. Voici donc Maja (prononcez Maïa), créatrice de produits de beauté bio mais pas seulement…

Can you introduce yourself ?
My name is Maja Savic and I’m a jazz vocalist and vocal coach from Croatia. I am a reiki master and a soon-to-be certified Yoga Teacher.

Peux-tu te présenter ?
Je m’appelle Maja Savic et je viens de Croatie. Je suis chanteuse de jazz, coach vocal, maître reiki et bientôt professeure de Yoga diplômée.

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Maja recording her first album « Invitation » in Zagreb in may 2015 © Martina Bošković Ribarić

Why did you chose to live in Paris especially ?
My half sister lives in Paris and my half-brother has also been in France for a long time so, partly, I came here to be closer to them. That’s the reason I feel like at home here. I like the vibe of the city, being a big multicultural city where you have lots of opportunities. Also, Paris has a great jazz scene which is really appealing to me since my first job is actually a jazz singer.

Pourquoi as tu choisi de vivre à Paris ?
Ma demi-soeur vit à Paris et mon demi-frère est également en France depuis longtemps je suis donc venue en partie pour me rapprocher d’eux. C’est pourquoi je me sens comme à la maison ici. J’aime les ondes de cette grande ville multiculturelle où plein d’opportunités s’ouvrent à toi. Il y a aussi le fait que Paris possède une scène de jazz fabuleuse ce qui est très attirant pour moi étant donné qu’à l’origine, je suis chanteuse de jazz.

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Every year Maja organizes a project in Zagreb with her jazz organization « JAZZart ». © Goran Telak – 2014

How long have you been doing organic beauty products and why did you start ?
A few years ago I have decided to be more conscious about the products/food I consume and about what I put on my skin. As bio products are usually quite expensive I have decided to get some training so I can do it myself. I went to an Aroma-cosmetics course in Zagreb and started creating my own products, mostly for my personal use. However, my excitement was hard to conceal because it was visible on my skin (I was basically glowing and smelling amazing) and I was so excited about the quality of the products.
It actually started with the deodorant that I made. I have never been able to find a deodorant that was so effective. When I found this recipe I was thrilled that it was actually 100% effective ! Soon after, my friends and colleagues started asking me to make some products for them as well.

Depuis combien de temps et pourquoi fabriques-tu des produits de beauté bio ?
Il y a quelques années, j’ai commencé à faire plus attention aux produits/aliments que je consommais et à ce que je mettais sur ma peau. Comme les produits bio sont souvent assez chers, j’ai décidé de me former pour pouvoir les faire moi-même. J’ai suivi une formation Aroma-cosmetics à Zagreb puis je me suis mise à créer mes propres produits, la plupart pour mon usage personnel. J’ai tout de suite été emballée au vu des effets bénéfiques sur ma peau (qui rayonnait et sentait super bon) et par la qualité des produits ; mon enthousiasme était difficile à cacher.
Tout a vraiment démarré avec la création de mon propre déodorant. Je n’en ai jamais trouvé d’aussi bien à vrai dire et j’étais heureuse de constater que la recette que j’avais trouvée était 100% efficace. Peu après, mes amis et collègues m’ont demandé de leur faire des produits aussi.

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Natural deodorants (Jojoba oil, beeswax, sodium carbonate, essential oil – palmarosa) © Maja Savic

What other products do you fabric ?
I make toners, facial creams/mask, peelings, toothpaste, make-up remover, massage bars, bath salts & bombs, soaps, lip balms… I am always researching and expanding my product line, so there are always some new products added to this list.

Quels autres produits fabriques-tu ?
Je fabrique lotions toniques, crèmes/masques visage, peelings, dentifrices, démaquillants, savons de massage, boules et sels de bain, savons, baumes à lèvres… Je suis sans cesse en train de chercher à élargir ma gamme donc de nouveaux produits s’ajoutent constamment à cette liste.

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Goodies for christmas : facial cleanser, bath bombs, creams, lip balms, deodorants, blush and soaps. © Maja Savic

What is your process of fabrication ? What step of it do you prefer and why ?
I love the whole process, makes me feel like a witch ! When I’d like to try a new recipe, I first do some research. Then I take all the ingredients and measure them carefully in the previously disinfected containers. The next step depends on the product I am making. I either have to melt down the ingredients on a low temperature and then mix them together, or just mix them without melting, and put into clean containers. Generally i test my products on myself first. I don’t like recommending something if I haven’t tested it. If happy with the result then it’s ready ! Simply inhaling these wonderful smells of essential oils is amazing and I love every part of the process.

Quel est ton processus de fabrication ? Quelle étape préfères-tu et pourquoi ?
J’adore tout le processus, ça me donne l’impression d’être une sorcière (rires) ! Lorsque j’ai envie d’essayer une nouvelle recette, je commence par faire des recherches. Ensuite je rassemble tous les ingrédients et je les mesure avec précaution dans des récipients préalablement désinfectés. L’étape suivante dépend du produit que je fabrique. Soit je fais fondre les ingrédients à basse température puis je les mélange, ou alors je les mélange simplement puis je les verse dans des récipients propres. Généralement je teste mes produits sur moi d’abord, je n’aime pas recommander des produits si je ne l’ai pas fais. Si je suis contente du résultat alors la recette est prête. Le simple fait de respirer ces délicieuses odeurs d’huiles essentielles est incroyable et me fait aimer chaque étape du processus.

How long does it take to create a product ?
It depends on the products. For a cream it can be very fast, like 30 minutes, but for soaps it can take up to three weeks.

Combien de temps la création d’un produit prend t-elle ?
Cela dépend des produits. Pour une crème cela peut être très rapide, comme 30 minutes, mais pour des savons cela peut prendre jusqu’à trois semaines.

What are the ingredients that you use in your recipes ? Which are your favorites and why ?
I use only plant-based products, mostly because of my vegetarian lifestyle. All the ingredients are high quality, no chemicals and most of them even edible. My favorite would definitely be – coconut oil ! It’s an amazing ingredient you can use in so many ways : apart from using it in the kitchen, it’s great for your skin and hair. It feels great on the skin and smells delicious. I even put it in my tooth-paste.
Apart from coconut oil, I mostly use cold-pressed oils like : castor oil, almond oil, sesame oil, argan oil, jojoba oil, etc… and butters like shea and cocoa butter. The essential oils I love are : orange, geranium, lavender, tea tree, and rose. Other ingredients I use are : beeswax, sodium bicarbonate, sea salt, glycerin, various hydrolats (herbal distillates/floral waters) like orange blossom flower, lavender, melissa etc. At the moment my favorite is a rose-orange combination which turned out to be a real hit !

Quels ingrédients utilises-tu dans tes recettes ? Lesquels préfères-tu et pourquoi ?
Je n’utilise que des produits à base de plantes en raison de mon style de vie végétarien. Tous les ingrédients sont de très bonne qualité, non chimiques et la plupart sont même comestibles. Mon ingrédient préféré est sans aucun doute l’huile de noix de coco. C’est un produit fantastique car tu peux l’utiliser de beaucoup de manières : aussi bien en cuisine que pour la peau, les cheveux… La texture est super et cela sent délicieusement bon. Je l’utilise même dans mon dentifrice.
Mis à part à celui là, j’utilise surtout des huiles pressées à froid comme celles de ricin, d’amande, de sésame, d’argan, de jojoba etc. et des beurres comme le beurre de karité ou de cacao. Les huiles essentielles que j’affectionne sont celles à base d’orange, de géranium, de lavande, d’arbre à thé et de rose. Parmi les autres ingrédients que j’utilise, il y a aussi de la cire d’abeille, du bicarbonate de soude, du sel de mer, de la glycérine, et divers hydrolats (des eaux de fleurs/d’herbes distillées) comme l’essence de fleur d’oranger, de lavande, de mélisse etc. En ce moment ma combinaison préférée est rose-orange qui est en passe de devenir mon best seller !

As it deals with only organic ingredients I guess it’s quite hard to preserve your products…
I use some ingredients like the vitamine E that act as preservatives in beauty products. I recommend storing creams in the fridge for them to last longer. A cream usually lasts for six months or so, depending on how much you use it.

Comme il s’agit uniquement d’ingrédients naturels j’imagine que tes produits sont assez difficiles à conserver…
J’utilise certains ingrédients comme la vitamine E qui permettent de conserver les produits de beauté. Je recommande de mettre les crèmes au frigidaire pour qu’elle durent plus longtemps. En général elles se conservent six mois, après, tout dépend de l’usage qu’on en fait.

What are your inspirations ? Is there someone in particular that inspires you ?

I love to experiment and try out new things so when I need inspiration I do some research. I am following several blogs and podcasts on aroma-cosmetics to get more ideas. I mostly follow Youtube channels since they have lots of tutorials. Here are some I would recommend for the beauty recipes and the DIY tutorials that I love : Lisa PullanoPop Sugar Beauty and Plush Folly. However, a lot of my recipes come from my mentor Anamarija Pažin Morović from Laurus Slow Spa in Croatia. Of course, I add my personal touch to the recipes.

Quels sont tes inspirations ? Y a t-il quelqu’un en particulier qui t’inspire ?
J’adore expérimenter et essayer des nouvelles choses donc quand j’ai besoin d’inspiration je fais des recherches. Je suis plusieurs blogs et podcasts sur aroma-cosmetics pour trouver des idées. Je suis surtout des chaines sur Youtube depuis qu’on y trouve de nombreux tutoriels. En voici trois que je recommande pour les recettes des produits de beauté et les tuttos DIY que j’adore : Lisa PullanoPop Sugar Beauty et Plush Folly. Cependant, bon nombre de mes recettes me viennent de mon mentor Anamarija Pažin Morović originaire de Laurus Slow Spa en Croatie. Bien sûr, j’y ajoute ma touche personnelle.

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Freshly made soaps. Ingredients : creamy glycerin soap base (natural), olive oil, essential oils of lavender and sweet orange + blue food coloring. © Maja Savic

What do you think of the organic beauty products nowadays ?
I think they’re amazing but really over-priced. That was one of the reasons I started doing this. I wanted to make it more affordable to every-day users. I think it’s important to keep reasonable prices so more people can use organic products. It’s just healthier an I like to encourage people to use them rather than regular ones, which contain a lot of chemicals that are not good for us. 

Que penses-tu des produits de beauté bio de nos jours ?
Je pense qu’ils sont incroyables mais vraiment trop chers. C’est une des raisons pour lesquelles j’ai commencé : je voulais les rendre plus abordables pour les utilisateurs quotidiens. Je pense que c’est important afin que plus de gens puissent les utiliser. Ils sont meilleurs pour la santé et j’encourage tout le monde à les utiliser plutôt que les produits basiques dans lesquels on retrouve de nombreux produits chimiques qui ne sont pas bons pour nous.

Are you also careful with ecology ?
Yes, mostly I try to eat bio. I am a vegetarian so I mostly use non-animal products, preferably organic. With clothes it’s a bit more difficult but I am conscious in that department as well. In these times, we are going back to nature, being more aware of the chemicals we use without knowing. Bio products are kind of a current issue, let’s say. More and more people start turning this way, so I think this market is only going to grow. By supporting these products we are changing the market and raising awareness, so I totally encourage everyone to do the same.
For example, I ask my customers to bring me back the containers I gave them once they are empty, and I give them a discount because I don’t have to buy new ones. I can simply re-fill their jars/containers with the new product and we don’t create more trash, we just re-use them.

Es-tu également soucieuse de l’écologie ?
Oui, le plus souvent j’essaie de manger bio. Je suis végétarienne donc je n’emploie pas de produits animaliers mais végétaux de préférence. Concernant les vêtements, c’est un peu plus difficile mais j’y fais attention aussi.
De nos jours, il y a un retour à la nature, une prise de conscience des limites des produits chimiques que nous utilisons sans bien connaître. Les produits bio apparaissent comme une issue de secours si l’on peut dire. De plus en plus de gens s’y mettent c’est pourquoi je pense que la croissance de ce marché ne fait que commencer. Avoir recours à ces produits c’est faire évoluer le marché et augmenter cette prise de conscience donc j’encourage tout un chacun à le faire.
J’invite par exemple mes consommateurs à me rapporter les récipients que je leur ai donné une fois vides et je leur fais une remise car je n’ai pas besoin d’en racheter. Il me suffit alors de les leur remplir de nouveau et ainsi, nous ne créons pas de déchets supplémentaires.

Who generally buy your products ? Have you a target ?
Women mostly above 30 but men too ! I have noticed that there isn’t really a profile of people who like to buy from me. These are people from all spheres of society and different ages who simply want to use bio products and live more healthy.

Qui achètent tes produits en général ? As-tu une cible ?
Majoritairement des femmes ayant autour de 30 ans mais aussi des hommes ! J’ai remarqué qu’il n’y a pas un profil particulier de personnes qui se tournent vers moi. Il s’agit d’individus de tous les milieux et de divers âges qui veulent juste utiliser des produits bio et vivre plus sainement.

What are the prices of your products ?
Depends what you order, the prices vary, but I try to make them as affordable as possible. So, for example the deodorant costs 5 euros and lasts a long time, an anti-age cream will be around 20 euros , depending on the size of the cream and the ingredients.

Quels sont les prix de tes produits ?
Cela dépend de ce dont tu as besoin, les prix varient mais j’essaie de les rendre aussi abordables que possible. Par exemple, le déodorant coûte 5 euros et dure longtemps, une crème anti-âge coûtera elle autour de 20 euros selon sa quantité et ses ingrédients.

What do you want to bring with your products ?
What makes my products special is the personal touch. I personally make all the products and they are mostly custom-made. Basically, the customer tells me what they need and what they like, then I make some research and create the product for them. All this at a very reasonable price and relatively quickly. That’s something you normally can’t get.
If the customer is not pleased or the product doesn’t work as it should -which rarely happens- then I replace it with something else. I always appreciate feedback from my customers because I want to provide high quality service.

Que cherches-tu à apporter à travers tes produits ?
La spécificité de mes produits réside dans la touche personnelle. Tous mes produits sont faits maison et la majorité réalisés sur mesure. En gros, la personne me dit ce dont elle a besoin et ce qu’elle aime, puis je fais des recherches avant de lui créer son produit. Tout cela à un prix très raisonnable et assez rapidement. C’est quelque chose que tu n’as pas normalement.
Si la personne n’apprécie pas le produit ou s’il ne fonctionne pas comme il devrait -ce qui arrive rarement- alors je le remplace par autre chose. J’apprécie toujours le retour de mes consommateurs car je cherche à offrir un service de qualité.

Since when are you a reiki master ? What brings you to this therapy ?
This year I finished my Master training for reiki healing and I am thrilled with the experience so far ! For several years I’ve known I wanted to work with energy healing so I explored many options and studied many techniques. Reiki was the only one that I have actually had experience with, being treated myself and knowing reiki healers. When my reiki master came to me I knew it was the right timing… and so it was ! Since then, I’ve had wonderful experiences with it and  realized it works very well. It’s definitely something I plan on doing more and hope to help more people.

Depuis quand es-tu maître reiki ? Qu’est ce qui t’as amené à cette thérapie ?
Cette année j’ai terminé mon master pour la guérison par le reiki et je suis tellement heureuse de cette expérience ! Depuis plusieurs années je savais que je voulais travailler autour des énergies guérissantes c’est pourquoi j’ai exploré de nombreuses options et étudié différentes techniques. Le reiki est la seule pour laquelle j’avais déjà de l’expérience, pour l’avoir expérimenté sur moi-même et de par la connaissance de guérisseurs reiki. Lorsque mon maître reiki est venu vers moi je savais que c’était le bon moment… et ce fut le cas ! Depuis, j’ai eu de magnifiques expériences grâce à cette pratique et j’ai réalisé que cela marchait très bien. C’est définitivement une approche que j’ai envie d’approfondir avec l’espoir d’aider plus de personnes encore.

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October 2012 – Zagreb © Maja Savic

Have you some projects for the future ?
Well, the future plans include branding my cosmetic line and expand a bit the range of my customers. I would still like to keep doing it myself as I love creating the products, and keeping the personal touch in the way I treat my clients. So, at the moment I am not planning a big production. Maybe one day, who knows…

Des projets à venir ?
Les projets à venir incluent de développer ma ligne cosmétique et d’élargir un peu mon éventail de clients. Je tiens à continuer de créer les produits moi-même car j’aime cela et à garder cette touche personnelle dans la manière dont je traite mes clients. Autrement dit, pour le moment je ne prévois pas de grosse production. Peut être un jour, qui sait…

Creation of organic products, respect of the environment, musical good vibes, vocal coaching, healing energy… I think that you are more a good fairy than a “witch” !
Aaaw thanks, that sound’s better.

Création de produits bio, respect de l’environnement, bonnes ondes musicales, coaching vocal, énergies guérissantes… je vois en toi plus une bonne fée qu’une “sorcière” !
Oooh merci, ça sonne mieux oui.

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In Zagreb in april 2015 © Dinko Bažulić

And if you were…
A color : blue
A material : water
A metal or a stone : fluorite
A fragrance : geranium
A flavor : coconut
A dish : crepes
A fruit : banana
A season : summer
A flower : sunflower
An animal : a dolphin
A landscape :
beach
A country : Brazil
A city : Paris
A sport : Yoga
A book : The Alchemist by P. Coelho
A painting: anything by Salvador Dalí
A poem : A haiku, it’s short to the point and make you think
A song : that’s a tough one, as I am a musician, but let’s say my current choice would be “Cherish the day” by Robert Glasper Experiment and Lalah Hathaway.
A movie : Melancholia by Lars Von Trier
A hero : Darth Vader
A special power : to fly
A photo : of roads or rails going straight and far away into the distance. 
A clothe : leggings
A style : retro style
A period : the 1960s
An artistic movement : Jazz
A cultural revolution : Hippie
A quality : optimist
A fault : impatient
A word : Love

Et si tu étais…
Une couleur : le bleu
Une matière : l’eau
Un métal ou une pierre : la fluorine
Une odeur : le géranium
Une saveur : la noix de coco
Un plat : les crêpes
Un fruit : la banane
Une saison : l’été
Une fleur : un tournesol
Un animal : un dauphin
Un paysage :
une plage
Un pays : le Brésil
Une ville : Paris
Un sport : yoga
Un livre :
L’alchimiste de Paulo Coelho
Un tableau : n’importe lequel de Salvador Dali
Un poème : un haïku
Une musique :
question très difficile pour moi qui suis musicienne mais disons que mon choix du moment serait “Cherish the day” de Robert Glasper et Lalah Hathaway
Un film
: Melancholia de Lars Van Trier
Un personnage imaginaire : Dark Vador
Un pouvoir magique : Voler
Une photo :
de routes ou de chemins de fer s’éloignant au loin.
Un vêtement : des leggings
Un style :
rétro
Une époque : 
les années 60
Un courant artistique :
le Jazz
Une révolution culturelle :
le mouvement Hippie
Une qualité :
optimiste
Un défaut :
impatiente
Un mot :
Amour


Base recipe for the face cream 

  • 12 ml cold-pressed oil of choice
  • 5 g phytocream 2000 (emulsifier of vegetable origin)
  • 25 ml hydrolat (ou eau de distillation)
  • 1 tsp glycerol
  • 10 drops of essential oils of choice

You will need containers, wooden spatula to stir, digital kitchen scale, double boiler or a simple pot where you can warm up the mixtures to melt and alcohol to disinfect containers and tools.

Recette de base pour la crème visage

  • 12 ml d’huile pressée à froid de votre choix
  • 5 g de phytocream 2000
  • 25 ml d’hydrolat (ou eau de distillation)
  • 1 cuillère à thé de glycérol
  • 10 gouttes d’huile essentielle de votre choix

Vous aurez besoin de récipients, de spatules en bois pour mélanger, d’une balance de cuisine numérique, d’une casserole à double fond ou d’un simple pot pour faire réchauffer/fondre la préparation et d’alcool pour désinfecter les récipients et les outils.

Matifying face cream

Ingredients :

  • 15 ml cold pressed Abricot oil
  • 5 g phytocream 2000
  • 35 ml hydrolat Rose de Damas de la vallee M’Gouna
  • 1 tsp glycerol
  • 4 drops of Orange essential oil
  • 2 drops of Tea trea essential oil
  • 4 drops of Geranium Egypte essential oil
  • 3 drops of Baby Doll fragrance oil
    * The essential oils, abricot oil, hydrolat, glycerol and the containers were bought at Aroma-zone, Paris.

Instructions : 

  1. In one container put cold pressed oil and phytocream.
  2. In the other container put the hydrolat and glycerol.
  3. Fill a pan half-way with water and then put both containers in the water OR use a double boiler.
  4. Heat on low heat until all the ingredients melt. Stir occasionally (this will speed up the process).
  5. When all the ingredients are melted put the essential oils in the oil mixture.
  6. Pour the hydrolat mixture into the oil mixture and stir for about 1-2 minutes until the mixture starts looking like a cream, without lumps.
  7. Pour the cream into a disinfected container and preserve it in the fridge.

Crème visage matifiante

Ingrédients :

  • 15 ml d’huile pressée à froid d’abricot
  • 5 g phytocream 2000
  • 35 ml hydrolat Rose de Damas de la vallee M’Gouna
  • 1 cuillère à thé de glycérol
  • 4 gouttes d’huile essentielle d’orange
  • 2 gouttes d’huile essentielle d’arbre à thé
  • 4 gouttes d’huile essentielle de Géranium d’Egypte
  • 3 gouttes d’huile de la fragrance « Baby Doll »
    * Les huiles essentielles, l’huile d’abricot, l’hydrolat, le glycérol et les récipients sont en vente chez Aroma-zone à Paris.

Instructions :

  1. Dans un récipient versez l’huile pressée à froid et la phytocream.
  2. Dans un autre récipient mettez l’hydrolat et le glycérol.
  3. Remplissez une casserole d’eau à mi-hauteur et placez les deux récipients à l’intérieur ou bien utilisez une casserole à double fond.
  4. Réchauffez à basse température jusqu’à ce que les ingrédients fondent. Mélangez de temps en temps (cela accélèrera le processus).
  5. Lorsque tous les ingrédients sont fondus, versez les gouttes d’huiles essentielles à l’intérieur de la mixture à base d’huile.
  6. Versez la mixture à base d’hydrolat dans la mixture à base d’huile et mélangez durant 1 à 2 minutes jusqu’à ce que la texture s’apparente à celle d’une crème sans grumeaux.
  7. Placez la crème dans un récipient désinfecté et conservez-la au frigidaire.

And the whole thing prepared with jazz vibes of course…
Et tout cela préparé sur fond de musique jazzy of course…

Body Balance

  • Présentation

Le Body Balance est une discipline créée par LesMills, une méthode de cours collectifs élaborée par les meilleurs experts internationaux du Fitness et venue de Nouvelle-Zélande.
C’est un mélange de gym douce, de stretching et de relaxation s’inspirant du yoga, du Taï-chi et de la méthode Pilates.
Chaque exercice est accompagné d’une musique adaptée -tantôt planante tantôt tonique- qui nous met en condition en nous stimulant ou bien en nous apaisant. La chorégraphie, associée à une playlist composée d’une dizaine de musiques, change tous les trois mois afin que le corps ne s’habitue pas aux exercices ; comme ça pas le temps de se lasser !

  • Déroulement

Le cours de Body Balance se déroule selon trois grandes parties : une partie Taï-Chi puis une seconde mêlant Yoga Ashtanga, Pilates, Équilibre, Stretching durant les 45 premières minutes et enfin la relaxation/méditation lors des 10 dernières minutes.

Chaque partie correspond à différents exercices et objectifs.
Le Taï-chi permet de nous échauffer et d’entamer la première connexion corps-esprit. On commence en effet par faire le vide, par se concentrer sur une précieuse boule d’énergie par exemple que l’on fait circuler le long du corps.
La seconde partie vise à tonifier et à renforcer ses muscles profonds tout en travaillant sa mobilité articulaire. On termine par le relâchement et la détente.

Lors des exercices, Il y a toujours des options selon son niveau mais il est intéressant d’en essayer de nouvelles même si l’on ne s’en croit pas capable. Certains exercices challenges comme la pose du corbeau par exemple sont vraiment intéressants car ils poussent à sortir de sa zone de confort et contribuent, petit à petit, à prendre confiance en soi. C’est en cherchant à dépasser ses limites (sans se faire mal bien entendu) que l’on acquiert de réels gains de souplesse et que l’on progresse. Il faut donc ne pas avoir peur de se mettre en déséquilibre, de pendre des « risques » car c’est là que les muscles vont être réellement sollicités.

Béatrix de Montalier, ancienne danseuse, coach fitness et instructeur LesMills (RPM, Body Combat, Body Attack, Body Step, et Body Balance) explique que «Pratiquer 15 min d’étirements avant ou après sa séance de sport habituelle ne sert à rien.» En voilà une désillusion. «Pour prévenir les blessures du corps il faut pratiquer au minimum une heure de stretching par semaine.» Une résolution pas si difficile à tenir étant donné que le Body Balance devient rapidement addictif de par le bien-être global qu’il procure.

Important : Penser à bien respirer à chaque nouveau mouvement. Face à la découverte de nouvelles figures un poil complexes on est en effet tentés -de manière inconsciente- à bloquer sa respiration et à rester en apnée or c’est tout l’inverse qu’il faut faire. La respiration doit accompagner l’enchaînement des mouvements avec fluidité. Dans l’idéal, il ne devrait jamais y avoir de « point mort » lors de la chorégraphie : le corps reste toujours en mouvement avec des transitions douces entre chaque exercice.

  • Quelques postures en images

Le Body Balance est dit « world Gym » car c’est un mélange de plusieurs gym douces du monde. Pas étonnant donc que l’on n’y retrouve de nombreuses postures aux noms originaux qui pourront en surprendre plus d’un au début : « Chien, Crocodile, Vache, Cobra, Dauphin, Arbre, Fleur, Coquillage »… ambiance nature  et dépaysement garantie ! Cela contribue, avec les musiques et les enchaînements, à déconnecter et à s’offrir une vraie parenthèse de calme.

1. Le Yoga

2. Les Équilibres

3. Le Pilates

4. Le Stretching

5. Les Twist

6. La Relaxation/Méditation

  • Les Bienfaits

> Un équilibre corps & esprit
Le Body Balance comme son nom l’indique vise à trouver un équilibre entre le corps et l’esprit, les deux allant de pair. Les exercices pratiqués permettent à la fois de renforcer la stabilité et la flexibilité du corps ; le calme et la concentration de l’esprit.
Le BB est un cours très complet car il fait travailler tout le corps et parce qu’il mêle renforcement musculaire, mobilité articulaire et relaxation. C’est aussi l’un des rares cours à faire travailler le mental : en contrôlant sa respiration on apprend à recentrer son esprit.

> Une silhouette harmonieuse
S’il ne fait pas partie des cours cardio il vous permettra tout de même de brûler entre 290 et 400 calories par cours. Entre un Taï-Chi super dynamique, des salutations au soleil, des Guerriers en extension, des positions intenses et une bonne dose de Pilates autant dire qu’on a vite chaud. Le BB -a condition d’être pratiqué régulièrement- a la particularité de délier, d’assouplir, de tonifier… à la clé une silhouette harmonieuse mais aussi une démarche plus posée et gracieuse.

> Un allié beauté
Le Yoga, les étirements et les équilibres amènent à avoir souvent la tête en bas ce qui se trouve être bénéfique pour la circulation sanguine et contre le vieillissement de nos cellules ajoute Béatrix.

> Une parade au stress
La partie relaxation-méditation permet un total relâchement du corps et un apaisement de l’esprit à tel point que certains, tellement détendus, s’endorment à la fin du cours. Vous l’aurez compris, mieux vaut ne pas prévoir d’activités après le BB !

Voici un petit aperçu vidéo :

  • Informations pratiques

Pour qui ?
Le Body Balance est ouvert à tous et accessible même pour les personnes à priori peu souples. Il faudra néanmoins quelques semaines et une pratique régulière pour se sentir totalement à l’aise avec les chorégraphies et avec le noms des postures.

Quel matériel ?
Pas grand chose : des vêtements de sport confortables et un tapis, c’est tout. Pas besoin de chaussures, elles sont même déconseillées car pour travailler l’équilibre il est nécessaire d’être en total contact avec le sol. Il est possible de rester en chaussettes mais cela risque de glisser, le mieux est vraiment de pratiquer pieds nus ou avec des chaussons de yoga spécifiques.

Où pratiquer ?
On trouve sur ce site les clubs offrant des cours de BB à Paris et dans de nombreuses autres grandes villes telles que Bordeaux, Strasbourg, Grenoble, Lyon, Lille, Marseille…

Et peut-être qu’un jour, qui sait, on arrivera à faire ça :